depredando o orelhão

Mixtape Venusiana

2012-01-28T01:02:00.004-02:00

Só cancionetas românticas, das melosas às cacetadas,
das melancólicas às esfuziantes, das bobinhas às profundas...

01) Elvis Costello - "Alison"

02) Juliette & The Licks - "Hot Kiss"

03) Wilco - "Whole Love"

04) Black Crowes - "Hard to Handle"

05) Pearl Jam - "Love Boat Captain"

06) Elliott Smith - "Twilight"

07) Dusty Springfiled - "Just a Little Lovin"

08) Cartola - "Alegria"

09) Harry Nilsson - "Without You"

10) Janis Joplin - "Piece Of My Heart"

Pra testar o tal do 8 Tracks.

Na Jukebox: Pearl Jam, Neil Young, Blitzen Trapper, Elvis Costello...

2012-01-27T19:24:00.002-02:00

Pearl Jam

“Dissident”

in: Versus (1993)

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The Gits
“Another Shot of Whiskey”
in: Frenching the Bully [1992]
[DOWNLOAD - FULL ALBUM]

Blitzen Trapper
“The Man Who Would Speak True”
in: Destroyer of the Void (2010)
[DOWNLOAD - FULL ALBUM]

Elvis Costello

“Blame It On Cain”

in: My Aim Is True (1977)

DOWNLOAD [FULL ALBUM]

The Knack
“My Sharona”
in: Get The Knack [1979]
DOWNLOAD [FULL ALBUM - 57 MB]

Neil Young & Crazy Horse
“Powderfinger”
in: Weld [Live]
[DOWNLOAD 6 FULL ALBUMS]

Nos Subsolos do Grunge: raridades do underground de Seattle nos 90

2012-01-26T14:18:00.004-02:00

7 Year Bitch - Viva Zapata! - 1994 - download

GREEN RIVER - Dry As a Bone / Rehab Doll - download

Mother Love Bone - 1992 - download

Vários Artistas - Deep Six - 1994 - download

Mono Men - Sin & Tonic - 1994 - download

TAD - Inhaler - 1993 - download

The Gits - Frenching the Bully - 1992 - download

Led Zeppelin - Todos os clássicos!

2012-01-25T12:13:00.002-02:00

1969 - Led Zeppelin I - download

1969 - Led Zeppelin II - download

1970 - Led Zeppelin III - download

1971 - Led Zeppelin IV - download

1973 - Houses of the Holy - download

1975 - Physical Graffiti - Disco 01 - Disco 02

"Eu Não Quero Sopa!" (sábia Mafaldita)

2012-01-25T00:28:00.106-02:00

‎"Eles querem transformar a internet em um tubo de mão única, com eles em cima, empurrando o lixo para baixo através do tubo para o resto de nós, consumidores obedientes." - do manifesto do The Pirate Bay, via Diário da Liberdade

Muitas coisas me intrigam nestes recentes episódios que têm sacudido a Internet nos últimos tempos, com a intragável S.O.P.A. (Stop Online Piracy Act) que a toda-poderosa da Indústria do Entretenimento quer fazer descer por nossas goelas abaixo. A primeira das coisas "intrigantes" é: como é que pode uma proposta que ainda não havia sido aprovada pelo Congresso americano, e que tem boas chances de jamais ser, ser posta em prática pelo FBI?

Os tiras yankees usaram como pretexto a ladainha de que o Megaupload é uma empresa "criminosa" cujos satânicos idealizadores e trabalhadores lesaram em U$500 milhões de dólares o ofendidinho do conglomerado corporativo composto por Disney, Warner e o caralho-a-quatro. Quão intrigante é pensar sobre a gênese desse número, sobre os raciocínios que estão por trás desta péssima matemática saída dos cérebros distorcidos desses empresários gananciosos.

Façamos uma reflexão com um exemplo bastante concreto: Avatar, o mega blockbuster de James Cameron, maior bilheteria da história da sétima arte, rendeu nada menos que U$2,782,275,172 (no mundo todo) segundo dados do IMDB (Internet Movie Database). É vero que esta super-produção da 20th Century Fox teve um dos custos de produção mais astronômicos já registrados em Hollywood: estima-se que Avatar tenha custado para fazer uns "meros" 300 milhões. Mas isso equivale a uma merreca, diz aí! Sim: uma baita duma merreca para um filme cujo lucro estrondoso beira os 2 BILHÕES E MEIO DE DÓLARES!

Agora imaginem os acionistas e CEOs da FOX, no alto de seus arranha-céus chiquérrimos na Califórnia, trocando sussurros conspiratórios dentro de seus Porches blindados e helicópteros, querendo aumentar ainda mais as margens de lucro para que possam dar aquele turbo naquela conta bancária meio "paradona" lá na Suíça... E aí partem para o seguinte raciocínio: há muita gente baixando Avatar de graça na Internet... esses malditos desses sites tipo Rapidshare, The Pirate Bay, Mediafire, Megaupload, tornam possível a aquisição gratuita de nosso produto! Ladrões! Criminosos! Vândalos! Comunistas! Lancemos sobre eles os bulldogs!

Como soltar os cachorros para cima destes sites sem antes "demonstrar" que há um ato criminoso cometido por eles? E assim prosseguem "raciocinando": "hmmm... vejamos... se 100.000 pessoas baixaram Avatar pelo Megaupload, isto significa que estes criminosos são culpados por 100.000 DVDs ou ingressos-de-cinema que deixamos de vender! 100.000 vezes 20 dólares... 2 milhões de prejú!" Ah, sim! Agora entendemos vossa sofística satânica, cara Fox e cia! O que vocês apelidam de prejuízo não passa de... um lucro presumido que não foi ganho! Situação bizarra: uma empresa que lucra 2 BILHÕES e MEIO com um único filme passa a perseguir aqueles que teoricamente a impedem de GANHAR MAIS e MAIS!

É a perversidade do capitalismo americano mostrando seus dentes sem disfarce. É uma ganância cega que não enxerga um palmo diante do nariz - feito a criança na capa de Nevermind, fisgada pelo dólar que um invisível pescador lhe agita na frente dos olhos. Eles agora querem atacar a própria estrutura da Internet, instaurar uma censura global dos conteúdos de que se julgam "donos", sempre com o mesmo batido argumento chatonildo: "lucros, lucros, lucros!" Como se isso fosse argumento e não um papaguear enjoativo duns babacas endinheirados, money junkies do caralho.

O que mais causa revolta e indignação neste ataque ao Megaupload é o seguinte: não é verdade que o conteúdo ali hospedado era essencialmente "posse" das mega-corporações globais. Num site tão rico em conteúdo diversificado, compartilham-se filmes independentes; mini-séries educativas; PDFs de poesia, filosofia, sociologia; documentários de ativismo político; música composta e gravada sem a mínima intrusão de mecanismos comerciais etc. O conteúdo alternativo ali hospedado era imenso - talvez maior até do que o conteúdo mainstream. Como mensurar o dano causado por esta DELETAÇÃO MASSIVA de dados?

(Uma conexão que não me parece inteiramente despropositada me ocorre entre este episódio e um outro, ocorrido muitíssimo tempo atrás (391 d.C.), quando a Biblioteca de Alexandria foi dizimada pelos cristãos. Sobre este assunto, aliás, vale muito a pena conferir o Ágora, o filmaço de Alejandro Amenábar, com Rachel Weisz arrasando!)

Ali nos servidores do Megaupload havia muito conteúdo digníssimo de ser conhecido, interpretado, estudado... havia a discografia do Fugazi e do The Clash, as palestras de Noam Chomsky e Slavoj Zizek, os documentários da Naomi Klein ou do Michael Moore, os livros de Marshall McLuhan e Terence McKenna... O Megaupload, abatido em pleno vôo, não causou o súbito colapso apenas de "toneladas" de conteúdo que a Indústria julga-se "possuidora"; também perdeu-se muito do conteúdo contra-cultural, subversivo, iconoclasta, questionador, rebelde, transformador, revolucionário que ali havia! Qual será a percentagem de conteúdo realmente copyrighted que fluía entre os servidores do Megaupload e seus usuários diariamente? E esta percentagem justifica o extermínio completo do serviço?

O FBI, é claro, não conhece essas "sutilezas": pensa e age com uma truculência de gente inculta que odeia a idéia de que as pessoas estão se informando, se cultivando, intercambiando idéias e criações artísticas sem a intermediação de empresas com fins lucrativos. Os dinossauros ficam apavorados com o mundo que a cibercultura está ajudando a parir: um mundo no qual, como a Primavera Árabe provou, as pessoas utilizarão a Internet para escaparem às cegueiras impostas pela mídia, para trocarem informações preciosas sobre os horrores cometidos pelos homens de poder, para se conscientizarem politicamente com um "cosmopolitismo" que só a Aldeia Global possibilita, ou mesmo para organizarem levantes, protestos, passeatas, revoluções...

Tudo isso é um sinal preocupante de que o arrogante Império Americano, que cometeu os escândalos mais grotestos no Iraque e no Afeganistão nos últimos anos, que agora salta sobre o petróleo da Líbia, que tanto apóia Israel contra os palestinos, que tanto perseguiu a Revolução Cubana e tentou gorar os avanços sociais dos rebeldes da Sierra Maestra ("hoje 200 milhões de crianças dormirão nas ruas - nenhuma delas é cubana!"), que fecha o Megaupload mas não se importa se Guantánamo Bay e Abu Ghraib funcionam direitinho, que... enfim, que já está passando dos limites em seu imperialismo autoritário e sua Guerra Contra o Terror, sua Guerra Contra as Drogas, sua Guerra em Prol do Petróleo árabe, sua Guerra contra a Pirataria... Papagaios que só sabem falar em "guerra, guerra, guerra!", "dinheiro, dinheiro, dinheiro!"

Esta guerra, como não podia deixar de ser num país acostumado à ela, chega à Internet. É bom irmos nos acostumando, pois parece ter começado de vez a repressão autoritária dos ianques contra a Internet livre. O compartilhamento de filmes e músicas vai sofrer alguns dos abalos mais sérios de toda a história da Cibercultura, pelo jeito, caso uma grande onda de oposição popular não barre esses planos dos defensores do SOPA e do Protect IP. O Megaupload já foi pro saco, fechado pelo FBI, e é de se suspeitar que Rapidshare, Mediafire e sites similares sejam as próximas vítimas. Qual é o próximo passo: numa nova Inquisição, grandes fogueiras de Servidores "piratas" sendo reduzidos a cinza?!? É a volta do Farenheit 451 de Ray Bradbury - mas agora não são só os livros que eles pretendem incendiar, mas uma vastíssima biblioteca multimídia cujo acesso, segundo eles, só é permitido caso engordemos ainda mais as contas bancárias transbordantes das mega-corporações. Triste!

A minha preocupação é grande: os meus uploads somam 53.64 GIGABITES, num total de 789 arquivos, que já foram downloadados... 715.852 vezes. As autoridades, claro, não dão a mínima para a TRABALHEIRA que foi disponibilizar este conteúdo na Internet nestes últimos 4 ANOS, não tem consciência do trampo de CURADORIA envolvido nisso, e estão pouco se fodendo se estes atos de "Incineração da Pirataria" não atacam um direito fundamental de qualquer cidadão civilizado: o acesso à Cultura, no máximo da diversidade e do baixo custo possível. Se o Mediafire morrer... Depredando is wavin' bye bye. :-(

"...someday our ocean will find its shore..."

2012-01-19T15:36:00.006-02:00

Muitas vezes um artista não é o melhor juiz de seu próprio valor. Seja por uma tendência ancestral para a auto-depreciação, seja por uma personalidade marcada por uma insuperável timidez ou uma auto-estima vacilante, seja por uma auto-crítica demasiado corrosiva, o criador pode ruborizar perante suas criaturas, as mesmas que outros podem considerar... preciosíssimas pérolas da criatividade e da sensibilidade humanas. O extremo oposto do artista megalômano, que se acha a última bolacha do pacote, é o artista que cria na angústia de sentir-se desvalido e indigno: Franz Kafka, por exemplo, que pede (ó delírios de auto-mutilação!) à Max Brod que queime toda sua obra, que livre a humanidade desta praga que são seus livros que tantos de nós amamos! (Nossa sorte, é claro, foi que Brod desobedeceu ao amigo e Kafka hoje está entre nós, ao invés de ter sido reduzido à cinzas!)

O bardo inglês Nick Drake, notório por seu extremado stage fright (que o fazia travar e entrar em pânico diante da perspectiva de se apresentar ao vivo), finado tragicamente com uma overdose de anti-depressivos com meros 26 anos de idade, padeceu por toda sua brevíssima vida com os males da falta de reconhecimento e da fome insatisfeita por aplausos. Talvez não haja artista na história do folk que melhor simbolize o que significa "carência afetiva" e que mais belos frutos tenha feito emergir deste solo sofrido. "I was born to love no one, no one to love me... Only the wind in the long green grass, the frost in a broken tree..." ("I Was Made To Love Magic").

Ironia do destino: a "necrofilia da arte" de que nos fala o Pato Fu também agiu sobre a reputação póstuma de Nick Drake a fim de transformá-lo em um artista mais cultuado e idolatrado depois de morto do que jamais foi em vida. Anos atrás, quando conheci sua obra, ele era incensado em louvores exacerbados, aqui no Brasil, por admiradores como o romancista Daniel Galera e os jornalistas Jonas Lopes e Carlos Eduardo Lima. Queridinho dos críticos, Nick Drake, feito um Velvet Underground, parecia não possuir mais de 100 admiradores, mas todos eles eram altamente entusiásticos e tratavam da obra drakeana como se ela possuísse uma aura de sacralidade... Em tempos onde, segundo Benjamin, o mercantilismo capitalista e o monstruoso desenvolvimento da técnica arrancam a aura de tudo, transformando em mercadoria tudo o que toca, é reconfortante encontrar ao menos algumas obras-de-arte que são reconhecidamente aureolados por enigmáticas auras...

A obra de Nick Drake é uma seminal influência para muito da música "indie" posterior a ele: Belle & Sebastian, Elliott Smith, Iron & Wine, Bon Iver, Devendra Banhart... Ecos drakeanos preenchem muitas das canções do Wilco e de tantos outros representantes do chamado "alt-country": Smog, Lambchop, Uncle Tupelo, Lucero... Poucos compositores e cantores exerceram uma tão profunda reverberação em tudo o que se fez posteriormente em termos de música melancólica, queixosa, pungente, lancinante... Nick Drake: trilha-sonora perfeita para a Geração Prozac.

Drake parece ter passado pelo mundo tão silenciosamente quanto seus álbuns tão plácidos e tranquilos sugerem. Legou-nos apenas três discos de estúdio: Five Leaves Left (1969), Bryter Layter (1970) e Pink Moon (1982). Neles, o cantarolar introspectivo de Drake é um suave veludo que flui sobre um instrumental sempre delicado e discreto, na maioria das vezes pontuado por belos dedilhados ao violão, outras vezes por orquestrações suaves e envolventes, numa música que não soa jamais sentimentalóide ou grandiloquente, mas que nos entristece com uma procissão de sonhos frustrados e sombrias meditações sob o signo de Saturno. Tudo nestas canções recende à introspecção, estoicismo, tristeza suportada com resignação, melancolia sublimada em beleza...

Ouço Nick Drake muito raramente, mas me agrada muito que essa música exista e que eu possa dar um pulo por estes recantos de vez em quando. Em tempos onde a música vomitada pelos mass media torna-se ostensiva e apelativa, quando os posers tomam conta de um mercado musical saturado por marketeiros e interesses comerciais, quando o "batidão" do funk e do poperô invadem nosso espaço auditivo sem a mínima cerimônia, a música de Drake é sempre um refúgio onde podemos entrar em contato com toda uma outra concepção da arte: a arte como manifestação, ainda que trêmula e insegura, da fugaz experiência interior de um mortal que só está entre os vivos por tempo limitado e que não suportaria descer ao túmulo em silêncio.

Nick Drake canta e encanta pela autenticidade de sua expressão-de-si: sem máscaras nem sorrisos falsos, transforma em música sua alma atormentada. Ouvi-lo é fascinar-se diante do abismo da alteridade e simpatizar com tantos afetos expressos que, ainda que pareçam tão pessoais e idiossincráticos, têm algo de universal e atemporal. Reconhecemo-nos neles como se olhássemos para um espelho que reflete nosso rosto em nossos dias mais nublados.

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Five Leaves Left (1969) [download]

Bryter Layter (1970) [download]

Time of No Reply (póstumo, 1986) [download]

Pink Moon (1982) [download]

Os 100 Melhores Álbuns da Música Brasileira em 2011

2012-01-18T12:55:00.002-02:00

Tori Amos: 20 Anos do Little Earthquakes

2012-01-14T18:58:00.001-02:00

por Léo Tavares (@Móbile Azul)

Em 1992, Tori Amos estava lançando a primeira de tantas obras sensacionais que sua visão singular, sensibilidade e talento proporcionaram ao cenário musical. 20 anos depois, Little Earthquakes ainda é lembrado como aquele álbum que, em plena era das guitarras do grunge, trazia uma mulher ao piano tocando e cantando canções de autoria própria, intensas, pessoais, de uma sinceridade por vezes (quase sempre) dolorosa, com uma voz única, abrindo caminho para tantas outras artistas que surgiriam nos próximos anos com trabalhos autorais confessionais e dilacerantes. Quem conhece Tori Amos sabe que Little Earthquakes é um marco a ser relembrado e celebrado.

"Little Earthquakes is all about celebration. Celebrating the ability to laugh,

weep, and scream, particularly if you have been silent for years." (Tori Amos)

TORI AMOS - Little Eartquakes (1992) [download]

Stevie Ray Vaughan - Discografia Selecionada

2012-01-14T14:19:00.004-02:00

STEVIE RAY VAUGHAN
BIOGRAPHY by Stephen Thomas Erlewine

"With his astonishingly accomplished guitar playing, Stevie Ray Vaughan ignited the blues revival of the '80s. Vaughan drew equally from bluesmen like Albert King, Otis Rush, and Muddy Waters and rock & roll players like Jimi Hendrix and Lonnie Mack, as well as the stray jazz guitarist like Kenny Burrell, developing a uniquely eclectic and fiery style that sounded like no other guitarist, regardless of genre. Vaughan bridged the gap between blues and rock like no other artist had since the late '60s. For the next seven years, Stevie Ray was the leading light in American blues, consistently selling out concerts while his albums regularly went gold. His tragic death in 1990 only emphasized his influence in blues and American rock & roll..."

Texas Flood (1983) [download]

In Step (1989) [dowmload]

Soul to Soul (1985) [download]

Couldn't Stand the Weather (1984) [download]

Live at Montreux (2 shows - 1982 e 85) [download]

ALBERT KING & SRV - In Session [download]

O melhor de Ann Peebles (BOX com 3 CDs)

2012-01-12T20:36:00.000-02:00

Do blog One Album A Day Keep Death At Bay: "Probably one of the most memorable modern hip-hop samples, Ann Peebles I Can’t Stand the Rain (1974) is a triumph of the high-funk period. Riding the wave of 2nd-wave feminist soul inclinations, Peebles engendered the album with a beautiful fury, capturing the moment like lightning in a bottle. Hot off the heels of such monumental black-American achievements as Wattstax and the emerging West coast funk movement, I Can’t Stand the Rain, with its eponymous title track made Peebles more than synonymous with a certain style and focus that was undeniable groovy, deliciously sexy, and unaccountably timely. “I’m Gonna Tear Your Playhouse Down” is a perfect example of Peebles smooth and sultry delivery, belying a much more pressing and smart agenda. Everything is here: dynamic production, great melodies, and even better vocals courtesy of Peebles. Truly a classic." E na sequência segue uma caixinha de 3 CDs que é excelente introdução ao trabalho da cantora. Boa audição!

Disco 01 [download]
Disco 02 [download]
Disco 03 [download]

"O torcer é parente do orar..." (por Eduardo Giannetti)

2012-01-08T16:14:00.000-02:00

"O futebol foi a religião da minha infância. O Cruzeiro de Tostão, Piazza e Dirceu Lopes - como esquecer a glória daquele time? - era o santuário. Eu narrava o futebol de botão jogado a sós no assoalho de casa, colecionava figurinhas de craques e torcia pela Raposa com um fervor de devoção mais intenso do que quando ia à missa e comungava. A memória do drama íntimo de certos jogos é das lembranças mais remotas que tenho de estar vivo. Se o sofrimento é a única causa da consciência de si, como diz o homem subterrâneo de Dostoiévski, então a paixão sofredora do torcedor mirim foi o berço da minha vida consciente.

Taça Brasil, anos 60. Chegou a tarde da grande final. Tenho cinco ou seis anos e estou grudado ao pé de uma radiovitrola Telefunken. O Cruzeiro perde do Santo por dois a zero - Pelé endiabrado em campo. Termina o primeiro tempo: silêncio e consternação. Bate o desespero, começo a chorar. O tempo corre, e a reação não vem; passo a chorar convulsivamente. Os adultos ficam preocupados com o meu estado. Quando mamãe faz menção de desligar o rádio e pôr um fim à agonia, o meu pai, Cruzeiro roxo, desautoriza-a secamente e me fulmina com seu olhar-fuzil. "Homem não chora!"

Súbito, porém, ressurge a esperança: Tostão marca e Dirceu Lopes logo empata. O jogo prossegue, mas não paro de chorar. "Por que agora?", perguntam todos. Já não há razão, não há o que dizer. A angústia da decisão por pênaltis me sufoca. Então o milagre acontece. O ponta Natal faz o gol da virada! Os céus explodem. O meu choro, misturado à balbúrdia, já não perturba ninguém. Do ponto extremo da dor, como num parto, rompe a alegria. Hoje ainda, quando penso naquela tarde de aflição e júbilo, os gritos do locutor - "Natal! Natal!" - ressoam nas dobras do ouvido interno; a entonação, o timbre esganiçado, o desafogo da voz deixaram marcas indeléveis no meu cérebro de menino.

O Cruzeiro de hoje não é o da minha infância: mudou o futebol, e mudei eu. Assisto aos jogos na TV; torço e vibro por meu time (e pela seleção, é claro); estico cada fibra da alma quando chegamos às finais, mas perdi o dom da entrega daqueles tempos. Não há drama futebolístico concebível que me transporte aos píncaros do desespero e da alegria como no passado. Foi-se o vigor da pulsão furiosa, a seiva enérgica das origens; tornei-me um torcedor maduro, amarrado, incapaz de ir até o fim no desatino. O tempo esfria a alma. Não sou metade do que fui de nascença e a vida esgarçou.

Mas o que é, afinal, torcer por alguma coisa? A mesma madureza que esfria trouxe uma certa distância, como que um olhar externo do que vai por mim. É estranho: todos estes anos torcendo, milhares de jogos na bagagem, decisões de vida ou morte, e nunca antes cheguei a me perguntar: o que se passa comigo enquanto estou torcendo? Cada um, é claro, vive e sente as coisas do gramado à sua maneira. O jogo jogado é o mesmo para todos: o placar final tem a solidez do granito. Mas, quando se trata do jogo vivido, tudo se transfigura. Qual o segredo do arrebatamento a que nos abandonamos na agonia de torcer? Que tramas e surtos da mais singular subjetividade não se filtram pelos olhos e mentes grudados aos volteios da bola numa tela de TV?

Há toda uma metafísica da mais remota origem embutida na alma torcedora. A palavra torcer, bem compreendida, capta o essencial. Torcer é se contorcer e remoer por dentro. É a sensação de esticar e distender os músculos e tendões dos nossos desejos e vontades: enfiar-se com as emoções campo adentro como se estivessem misturadas aos pés dos atletas e às trajetórias caprichosas da bola. As contorções faciais e os gestos do torcedor são apenas o sinal visível da ginástica interna que o consome.

Mas não é só. O contorcionismo subjetivo do torcer está ligado a uma crença espontânea indissociável da inclinação torcedora - um modo mágico de pensar e sentir que irrompe na mente com o ímpeto de uma planta selvagem. Torcer é entregar-se à vivência primária e avassaladora de que as contorções que agitam e devoram a alma torcerão o curso dos acontecimentos na direção desejada. A explosão do gol - ou de um pênalti defendido - é a confirmação da potência do meu bruto querer.

O torcer é parente do orar, só que sem rodeios e intermediários. Na reza, o devoto se concentra e abre o canal da interlocução pela oração: ele se dirige ao santo ou deus da sua predileção, rogando-lhe que interceda a seu favor. Promessas e sacrifícios podem facilitar o trâmite, mas a eficácia da prece não é fruto da vontade crua do devoto. Ela depende de um despacho da autoridade invocada. O torcedor, é claro, também reza e promete, mas no calor da hora ele vai direto ao ponto. Não é algo consciente ou que se possa escolher e evitar. É um processo mental involuntário, de origem arcaica, e que nos transporta para um mundo mítico onde os nossos desejos e emoções gozam de poder causal sobre o enredo aberto e imprevisível do que está em jogo.

O banco de reservas interiores do torcedor entra em campo, desvia a bola perigosa, corta o passe, mata no peito, cruza o escanteio, espalma e cabeceia, vibra no momento exato em que a sua onipotência se confirma na catarse do gol. Uma teia de medos e desejos, temores e esperanças cerca cada lance e afeta cada movimento da bola. Não é à toa que o verdadeiro torcedor se descobre extenuado no final do jogo.

No fundo, a fé selvagem de quem torce é a crença de que podemos domar e torcer o curso natural das coisas - coagir o futuro - por meio da força bruta do nosso querer. O mundo, berra em silêncio a alma torcedora, não é surdo e indiferente ao meu desejo. O devir se rende à minha vontade soberana. É por isso que saber de antemão o resultado de uma partida a cujo videoteipe se assiste mina a possibilidade de torcer.

A torcida diante da bola é um caso extremo de família numerosa. Torcemos para que alguém se recupere de uma doença grave; para que o avião vença a turbulência; para que o tempo melhore; para que os bons triunfem e os calhordas afundem; para que o telefone toque ou o e-mail chegue. Diante de um futuro aberto com desfecho incerto, o animal humano não se rende à sua impotência e desamparo cósmicos. Como um apostador inveterado, ele crê na sua vontade como causa de efeitos reais e investe o que pode na roleta mágica do seu louco querer: quando eu me contorço por dentro, o mundo se torce a meu favor. A psicologia do torcer é um escândalo da razão - fé animista que me habita em segredo."

in: GIANNETTI, Eduardo

A Ilusão da Alma

Editora Cia das Letras

Cap. 26, pg. 121-125

Ella Fitzgerald cantando blues...

2012-01-05T20:36:00.000-02:00

ELLA FITZGERALD - These Are The Blues [download]

http://www.mediafire.com/?h1gx7cxdkxjvxhq (57 MB)

Milênios de Uso Medicinal; Décadas de Proibicionismo Autoritário

2011-12-19T16:12:00.003-02:00

“Maconha serve de remédio desde sempre. O primeiro tratado de ervas medicinais que se conhece, o Pen Tsao, concebido há 4.700 anos na China, já inclui referência destacada à cannabis, e há registros de usos médicos em praticamente todas as civilizações antigas. Extrato de cannabis era remédio na Índia desde a Antiguidade e, quando os ingleses chegaram lá, logo descobriram suas virtudes medicinais. Por isso, o Império Britânico exportava extrato de cannabis, que era vendido em farmácias do mundo todo, e provavelmente foi o anestésico mais usado contra dor de cabeça até o século XIX, quando a aspirina foi inventada.”

“No México, faz séculos que é usada por curandeiras nas comunidades rurais, como parte importante da tradicional medicina à base de ervas, indicada para várias doenças, entre elas glaucoma e bronquite.”

“A planta foi [na história da humanidade, até o alvorescer do século XX e do proibicionismo fundamentalista…] também importantíssima na economia mundial, já que a fibra de seu caule, o cânhamo, era a principal matéria-prima de tecidos e papéis. Tecidos de cânhamos foram empregados nas telas dos pintores da Renascença, nas velas dos barcos das Grandes Navegações e no papel da Declaração de Direitos que fundou os Estados Unidos da América.”

“Era, talvez até mais que o trigo, uma planta em relação simbiótica com a humanidade, cultivada por muitos povos e utilizada para os mais diversos fins. Era também uma planta em coevolução com a humanidade, cujos genes refletiam as necessidades humanas, porque eram selecionados pelo homem.”

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No século XX, o mundo foi planejado para as indústrias, não para as pessoas. As cidades foram construídas para dar espaço para o maior número possível de carros - e, como resultado, o espaço público nunca foi tão sujo, barulhento e perigoso. O modelo de produção e de ocupação passou a consumir recursos naturais e gerar resíduos num ritmo alucinante - o que levou o mundo a um colapso ambiental e está fazendo o clima mudar. E a política tornou-se refém das empresas, que financiam as campanhas - criando uma sensação global de que as pessoas deixaram de ser representadas.

Por causa desses efeitos colaterais, a fé cega na indústria e na tecnologia está vivendo uma grande crise. A crença de que a indústria é sempre superior à natureza acabou resultando na destruição da natureza e no poder excessivo da indústria. No mundo todo, há sinais de que essa visão se esgotou, de que teremos de voltar a valorizar a natureza.

A proibição ultrarradical da canábis é típica do século XX - uma relíquia de um modo antigo de pensar, da qual ainda não conseguimos nos livrar. No entanto, cada dia que passa o absurdo dessa política se revela mais. É por isso que o mundo está entrando numa onda de revolta contra essa ideologia - uma onda que se manifesta nas marcas da maconha, em protestos generalizados no mundo todo, em brigas judiciais, na crescente polarização do debate, que fica cada vez mais irritado.

Esta onda não vai parar de crescer, porque ela se sustenta numa constatação clara: a de que a canábis não é pior que seus concorrentes industriais. Ela causa menos danos mentais e menos dependência que os remédios psicoativos da indústria farmacêutica - antidepressivos, ansiolíticos, soníferos, anestésicos. Gera menos morte e violência que as bebidas alcóolicas industrializadas. E, além disso, tem óbvias vantagens econômicas, ambientais, sociais." (260-61)

* * * * *

"Do ponto de vista dos riscos envolvidos, o álcool é imensamente mais perigoso do que a maconha, sem dúvida alguma. Enquanto a maconha não mata, não importa a dose, o álcool tem uma margem pequena entre a dose necessária para causar o efeito desejado e a dose suficiente para colocar em risco as funções vitais do corpo. Álcool demais faz com que as áreas do cérebro responsáveis pela respiração e pela consciência se desliguem, o que pode provocar desmaios. Não é incomum que usuários morram afogados no próprio vômito - aliás, o vômito é uma forma do organismo se defender de uma dose venenosa da substância. Álcool causa mais dependência e a síndrome de abstinência ligada a ele é muito mais perigosa, podendo até matar. A substância é bastante tóxica às células humanas e está associada a vários tipos de câncer. Já a maconha, justamente por seu apenas um 'modulador', causa efeitos sutis, que não matam células nem influem no funcionamento dos órgãos vitais.

Além disso, álcool gera violência e comportamento irresponsável. Uma pesquisa americana de 2003 mostrou que a chance de um homem agredir sua esposa aumenta 8 vezes quando ele está alcoolizado. No Reino Unido, o governo estima que o álcool seja a causa principal de metade dos crimes violentos e de 70% das emergências e dos internamentos por acidentes. Maconha não gera violência. (...) Em 2009, três autores americanos publicaram um livro instigante (FOX, ARMENTANO, TVERT: Marijuana is Safer: So Why Are We Driving People To Drink?) no qual se perguntam se nossa sociedade, ao demonizar a maconha, não está acidentalmente aumentado o consumo de álcool e, em consequência, as taxas de mortes violentas e por intoxicação. "Legalizar a maconha levaria a uma redução da violência doméstica e comunitária. Nós enxergamos um futuro no qual a canábis não apenas seja legal, mas conselheiros domésticos achem apropriado aconselhar maridos abusivos a reduzir ou eliminar o consumo de álcool e consumir maconha como alternativa", diz o livro." (233-234).

"No Brasil, os grandes fabricantes de cerveja estão entre os maiores investidores em publicidade e, portanto, têm imensa influência sobre a mídia (segundo o Ibope, a Ambev é a quarta maior anunciante do país, à frente do Bradesco, da Volkswagen e da Vivo). Eles estão investindo uma baba na Copa do Mundo de 2014, uma ótima estratégia para associar o álcool à saúde e à diversão e fisgar usuários jovens. Isso, em longo prazo, terá impacto brutal no número de mortes no trânsito, agressões e doenças crônicas. (...) É absurdo que uma droga tão perigosa quanto o álcool tenha tanta liberdade para fazer publicidade claramente focada em jovens, sem controle algum." (262)

* * * * *

"Pelo que se sabe, o fator mais determinante é 'cultura'. Cultura é o conjunto dos valores, dos anseios, das atitudes de uma sociedade. Hoje, de acordo com nosso sistema, a lei está contra a canábis. Mas a cultura, que é muito mais importante que a lei, está a favor. A tal 'cultura canábica' está por cima, bombando em festas, manifestações de rua e editoriais de jornais. Cada dia que passa, ela fica mais orgulhosa de si própria e ganha mais adeptos.

Curioso é que a cultura pró-canábica se alimenta das leis anti-canábicas. Quanto mais nosso sistema é injusto, ineficaz, contraprodutivo, violento, estúpido, mais os defensores da canábis se enchem de um senso de indignação e tornam-se orgulhosos de sua causa." (265-266)

* * * * *

"...só mesmo os utópicos fundamentalistas religiosos podem acreditar em livrar o mundo delas [drogas]. (...) Graças à proibição ultrarradical, atualmente as drogas matam mais, machucam mais e causam mais dano social que em qualquer época da história." (250) (...) "Hoje nossa sociedade atribuiu aos drogofóbicos o trabalho de proteger a sociedade das drogas. (...) Precisamos tirar os histéricos do poder, se queremos alguma racionalidade no mundo." (p. 264)

DENIS RUSSO BURGIERMAN, ex-diretor de redação da revista Superinteressante (Editora Abril), em seu livro "O fim da Guerra: A Maconha e a Criação de um Novo Sistema Para Lidar com as Drogas" (Editora Leya, 2011).

Mixtape Depredas #11 - Dezembro '11

2011-12-19T15:57:00.006-02:00

Sem firula ou papo furado... aí vai mais uma mixtape recheada de raw power rocker, perfeito para banhar os neurônios com cataratas de eletricidade bruta e energia pulsante... A capinha é em homenagem ao 17º Goiânia Noise, ocorrido neste princípio de Dezembro/2011, que teve como uma de suas atrações o Museu dos Monstros, expositório de lobisómis, bruxas, vampiros e outras criaturas endemoniadas... Suba o volume e boa curtição!

MIXTAPE # 11 - DEZEMBRO DE 2011 - PLAYLIST >>>

01 - AC/DC - Shot Down in Flames (3:26)
02 - Paul Gilbert & Jimi Kidd - Girls Watching (3:46)
03 - Bêbados Habilidosos - Whisky & Blues (5:34)
04 - The Black Keys - Gold on the Ceiling (3:44)
05 - Sahara Hotnights - With or Without Control (3:34)
06 - Them Crooked Vultures - New Fang (3:48)
07 - Saco de Ratos - Boêmios Errantes (4:33)
08 - The Distillers - Ask The Angels (3:11)
09 - Supersuckers - My Kick-Ass Life (2:19)
10 - Forgotten Boys - Cumm On (3:28)
11 - The Detroit Cobras - Hittin' on Nothin' (2:12)
12 - The Kinks - Long Tall Sally (2:15)
13 - Mudhoney - Pump It Up (3:11)
14 - The Hot Rats - Drive My Car (2:23)
15 - Susan Tedeschi - Rock And Roll [featuring Double Trouble] (3:08)
16 - X - Crystal Ship (2:19)

DOWNLOAD (91 MB) >>> http://www.mediafire.com/?tj3jcov5t0rdawv

mixtapes anteriores: DEZ ... NOVE ... OITO

tiragosto / aperitivo:

12 plays

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”De pernas pro ar, vivo ao deus-dará,
meu melhor amigo é um balcão de bar
Vivo no perigo, procurando abrigo…
envelhecendo sem criar juízo...
um beat sem estrada mendigando um fim.

E quando for a hora, sei que não demora…
não quero ninguém rezando por mim!”

Mário Bortolotto, o Bukowski da dramaturgia brazuca,
esgoelando um blues boêmio… bem massa!

É hoje! (17/12) - Gramofocas + Woolloongabbas

2011-12-17T14:55:00.000-02:00

Você que é de Goiânia e arredores, fique ligado! A última festa da Fósforo Cultural em 2011 acontece neste sabadão (17/12) e a noite promete ser repleta de embriaguez, júbilo e empolgação. Os shows da noite são dos brasilienses do Gramofocas (que lançam seu novo álbum No Bar) e dos goianienses Woolloongabbas (que em breve soltam seu novo disco Na Estrada). A partir das 22h30, o som já começa a explodir alto-falantes afora com um DJ set timbrado. Glue there!

Neil Young - Discoteca Básica (Alguns Álbuns Essenciais!!!)

2011-12-16T14:19:00.002-02:00

"After Neil Young left the California folk-rock band Buffalo Springfield in 1968, he slowly established himself as one of the most influential and idiosyncratic singer/songwriters of his generation. Young's body of work ranks second only to Bob Dylan in terms of depth, and he was able to sustain his critical reputation, as well as record sales, for a longer period of time than Dylan, partially because of his willfully perverse work ethic. From the beginning of his solo career in the late '60s through to the 21st century, he never stopped writing, recording, and performing; his official catalog only represented a portion of his work, since he kept countless tapes of unreleased songs in his vaults.

Just as importantly, Young continually explored new musical territory, from rockabilly and the blues to electronic music. But these stylistic exercises only gained depth when compared to his two primary styles: gentle folk and country-rock, and crushingly loud electric guitar rock, which he frequently recorded with the Californian garage band Crazy Horse. Throughout his career, Youngalternated between these two extremes, and both proved equally influential; there were just as many singer/songwriters as there were grunge and country-rock bands claiming to be influenced byNeil Young. Despite his enormous catalog and influence, Youngcontinued to move forward, writing new songs and exploring new music. That restless spirit ensured that he was one of the few rock veterans as vital in his old age as he was in his youth." - Stephen Thomas Erlewine (AMG All Music Guide)

DOWNLOAD >>> CLICK ON COVER

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ENQUETE: Que outro álbum de Neil Young
você gostaria de ver disponibilizado por aqui?

(a) Harvest
(b) Tonight's the Night
(c) Rust Never Sleeps
(d) Freedom
(e) Mirror Ball (c/ Pearl Jam)
(f) outro...

Vote nos comments que corremos atrás de providenciar
aqueles que a voz do povo demandar!

Neil Young na aurora do grunge [Ragged Glory, 1990]

2011-12-15T18:36:00.014-02:00

No alvorescer da década do Grunge, Neil Young cometeu um disco seminal: Ragged Glory (1990). Acompanhado pelos comparsas do Cavalo Doido, com quem já tinha gravado algumas das obras mais clássicas do rock setentista (colossos do quilate de Zuma, On The Beach e Everybody Knows This is Nowhere...), o canadense adentrou os anos 90 com esta obra magistral onde convivem várias tendências: a nostalgia e a melancolia, a amargura e o utopismo, a auto-afirmação triunfante e a auto-piedade lamentosa... Como toda obra-de-arte digna desse nome, Ragged Glory é um álbum ambíguo, complexo, irrotulável, fascinante...

É escancarado, em muitos trechos do álbum, um certo ímpeto nostálgico, típico de quem olha para o passado sessentista com doçura e sente falta do "all you need is love" dos Verões-do-Amor de outrora. Duas canções épicas apontam nesta direção - "Love to Burn" e "Love and Only Love" (ambas com mais de 10 min de duração) - nas quais Young celebra em fórmulas simples e marcantes um dos credos elementares da geração Hippie: "love was a winner there... overcoming hate!" Sem vergonha de soar extremadamente otimista, Young anuncia messianicamente que, apesar dos pesares, "love and only love will endure!"

Ecos da utopia hippie dos anos 60 marcam presença também em canções como "Mansion on The Hill", que retrata uma idílica comuna-na-montanha onde "a música psicodélica preenche o ar". "Peace and love live there still", canta Young, saudoso de uma amorosidade fraterna cujo destroçamento Lennon anunciou com seu "the dream is over". Pois Ragged Glory, como seu título sugere, não é apenas uma celebração otimista da Glória, mas também o lamento pelo esfacelamento de um sonho, pelos rasgos no tecido da Utopia outrora forjada em Verões do Amor, em cultos ao Poder da Flor...

Young está longe de ser ingênuo ao cantar seus louvores ao amor e à paz: seu "romantismo" só é convincente, só soa tão autêntico, pois têm como pano de fundo uma outra tendência, esta bem mais crítica e reprovadora. Logo na primeira música, que ilumina bastante as razões de Young para seu estilo-de-vida um tanto recluso, de eremita em seu rancho, ele aponta sua gratidão por sua "casinha na roça" e pela possibilidade de caminhar por aí e se esquecer na paisagem: "I'm thankful for my country home, it gives me peace of mind. Somewhere I can walk alone and leave myself behind."

Profundamente enraizado na cultura norte-americana mais roots (folk, country, blues; Whitman, Steinbeck, Thoreau...), Neil Young não sente-se bem-adaptado à vida nas grandes metrópoles, estes fervilhantes formigueiros humanos e selvas-de-concreto onde é impossível uma caminhada solitária e contemplativa - e onde as neuroses e a "Síndrome de Porco-Espinho" (Schopenhauer) são bem mais frequentes do que o "ideal" younguiano de peace of mind.

Cerca de 7 anos mais tarde, outro dos álbuns cruciais da década, OK Computer, traria esta sensação de sufocamento e asfixia com a megalópole para um novo paroxismo, com Thom Yorke lamentando-se: "vivo numa cidade onde não se pode sentir o aroma de nada... e andamos tomando cuidado com os cracks na calçada". Neil Young, em sua rancheira celebração da vida "caipira", próxima da terra e da vastidão elementar da Natureza, traz o bucolismo para o calor da hora e confronta, por esta via, o desenvolvimento cheio de efeitos colaterais das sociedades capitalistas/industriais. É só passar um tempinho numa grande cidade, canta Young, e logo vêm um enojamento, uma náusea, uma sensação de que "é preciso pensar para sorrir"...

Michael Löwy, no seu magistral A Estrela da Manhã - Marxismo e Surrealismo, frisa as conexões que existem entre romantismo e crítica ao capitalismo, tendência que, me parece, estão intimamente vinculadas em Neil Young, este hopeless romantic que simplesmente não aceita engolir o aburguesamento mesquinho da existência. Como diz Löwy, o romanstimo não deve ser compreendido apenas como uma escola literária do século XIX, mas como

“algo muito mais vasto e profundo: a grande corrente de protesto contra a civilização capitalista/industrial moderna, em nome de valores do passado, que começa no século XVIII com Rousseau e que persiste, passando pela Frühromantik alemã, pelo simbolismo e pelo surrealismo, até os nossos dias. Trata-se, como o próprio Marx já constatara, de uma crítica que acompanha o capitalismo como uma sombra a ser arrastada desde o seu nascimento até o dia (bendito) de sua morte. Como estrutura de sensibilidade, estilo de pensamento, visão do mundo, o romantismo atravessa todos os domínios da cultura – a literatura, a poesia, as artes, a filosofia, a historiografia, a teologia, a política. Dilacerado entre nostalgia do passado e sonho do porvir, ele denuncia as desolações da modernidade burguesa: desencantamento do mundo, mecanização, reificação, quantificação, dissolução da comunidade humana. Apesar da referência permanente à idade de ouro perdida, o romantismo não é necessariamente retrógado: no decorrer de sua longa história, ele conheceu tanto formas reacionárias quanto formas revolucionárias.” (pg. 83)

Neil Young encarna como poucos compositores esta tensão entre a aspiração romântica pela harmonia fraterna e pelo amor entre os homens e a constatação amargurada de que a hostilidade, a guerra e a ganância não cessam de emperrar a concretização das utopias. As promessas de felicidade que não se cumprem conduzem a um estado de espírito que eu chamaria de grungy, uma espécie de rabugência mau-humorada que não é inteiramente desprovida de potencial revolucionário. Em "Fuckin' Up", por exemplo, Young esbraveja com fúria incontida sobre um desnorteio e uma falta de rumo típica de um "mindless drifter on the road" que não pára de se perguntar: "Why do I keep fuckin' up?" As guitarras desvairadas do Crazy Horse acompanham com um pandemônio estes ataques proto-nirvanescos, varrendo o romantismo e água-açúquice e instaurando um clima de catarse e revolta...

Como se pressentisse que um novo terremoto cultural seria deflagrado no rock norte-americano em pouco tempo, Neil Young cometeu em Ragged Glory certos temporais elétricos que "preparavam o terreno" para a tomada-de-assalto que viria, a partir de 1991, com Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains e Soundgarden. Não é à toa que anos depois Young seria figurinha reverenciada publicamente por Eddie Vedder & cia, chegando a gravar um álbum inteiro - Mirrorball, de 1995 - tendo o P.J. como banda-de-apoio.

Esta tendência profética e antecipatória, que anuncia a emergência de algo mais bombástico, irado e revoltado nos horizontes da Cultura, às vésperas do estouro de 1991 (the year punk finally broke), é um dos charmes maiores de Ragged Glory. Mas no álbum também há uma faceta melancólica, de quem teme pelo destino da "Mother Earth", submetida aos caprichos insanos de homens-de-poder ególatras e cegos por ambições de enriquecimento...

Os anos 80, convenhamos, foram uma desgraça para as carreiras de muitos artistas respeitáveis: as discografias de Bob Dylan, convertido ao cristianismo e à música gospel, e de Lou Reed, apostando no barulho arbitrário e na poesia blasé, sofrem uma decadência vertiginosa. Neil Young também não conseguiu manter a qualidade de seus trabalhos dos anos 60 e 70 na década de Reagan e Tatcher. Por isso Ragged Glory é também uma espécie de Triunfo Redentor, que reabilita Neil Young para a nova década e o transforma numa espécie de precursor do grunge. Na aurora do grunge, Neil Young volta a ser o maioral.

É como se Young tivesse chegado aos anos 90 com a vasta experiência acumulada de quem viveu na pele vários zeitgeits: a coloridice lúdica e libertária dos sixties, a pretensão megalômana e ególatra do prog, o levante rebelde (e às vezes niilista) do punk, o consumismo descerebrado e cocainômano dos yuppies, e agora estivesse, no limiar de uma renovação cultural iminente, prestando seu testemunho, portando-se como mentor, anunciando um evangelho...

Neil Young, que sempre se declarou um peregrino "buscador" de um coração dourado ("keep on searchin' for a heart of gold... and I'm getting old..."), atinge com Ragged Glory uma espécie de cume de sua criação artística. Agindo com grande simplicidade e espontaneidade, Young parece deixar emanar de si, com rédeas soltas, versos e melodias, solos e refrões, desprendidos de uma criatura que o ouvinte sensível não falhará em reconhecer como pródigo e generoso, cálido e fraternal... Uma obra cheia de luz e saudade, ferida por eclipses de amargura, polvilhada de urros de fúria, nostálgica e profética em doses equivalentes, em que a glória rasgada de outrora alimenta o sonho de uma glória por vir... Como toda grande obra-de-arte, Ragged Glory soa como a tentativa de um artista objetivar, fora-de-si, uma espécie de síntese de sua sabedoria.

Ragged Glory (1990) [download]

Susan Tedeschi - Discografia Completa

2011-12-14T14:05:00.005-02:00

6 plays

Susan Tedeschi (vox) & Kenny Wayne Sheperd (gtr)

tocando "Rock and Roll" do Led Zeppelin.

Maravilha de sonzeira! E que GOGÓ!

DISCOGRAFIA quase COMPLETA

(S. TEDESCHI )
Better Days (1995) [baixar]

Just Won't Burn (1998) [baixar]

Wait for Me (2002) [baixar]

Hope and Desire (2005) [baixar]

Back to the River (2008) [baixar]

"O fim da Guerra" (Denis Russo Burgierman)... tô lendo!

2011-12-12T11:45:00.000-02:00

Black Keys - Discografia Completa

2011-12-08T13:01:00.007-02:00

THE BLACK KEYS

BIOGRAPHY

by Stephen Thomas Erlewine (AMG)

It’s too facile to call the Black Keys counterparts of the White Stripes: they share several surface similarities -- their names are color-coded, they hail from the Midwest, they’re guitar-and-drum blues-rock duos -- but the Black Keys are their own distinct thing, a tougher, rougher rock band with a purist streak that never surfaces in the Stripes. But that’s not to say that the Black Keys are blues traditionalists: even on their 2002 debut, The Big Come Up, they covered the Beatles’ psychedelic classic “She Said She Said,” indicating a fascination with sound and texture that would later take hold on such latter-day albums as 2008’s Attack & Release, where guitarist Dan Auerbach and drummer Patrick Carney teamed up with sonic architect Danger Mouse. In between those two records, the duo established the Black Keys as a rock & roll band with a brutal, primal force, and songwriters of considerable depth, as evidenced on such fine albums as 2003’s Thickfreakness and 2004’s Rubber Factory.

Natives of Akron, Ohio, the Black Keys released their debut, The Big Come Up, in 2002, receiving strong reviews and sales, and leading to a contract with Fat Possum by the end of the year. That label released Thickfreakness, recorded in a 14-hour session, in the spring of 2003, and the Keys supported the album with an opening tour for Sleater-Kinney. The Black Keys' momentum escalated considerably with their 2004 album Rubber Factory, which not only received strong reviews but some high-profile play, including a video for “10 A.M. Automatic” featuring comedian David Cross. The band’s highly touted live act was documented on a 2005 DVD, released the same year as Chulahoma -- an EP of blues covers -- appeared. The Black Keys made the leap to the major labels with 2006’s Magic Potion, a moodier record that continued to build the group’s base. The band capitalized on that moodiness on 2008’s Attack & Release, whose production by Danger Mouse signaled that the Black Keys were hardly just blues-rock purists. Salvaged from sessions intended as a duet album with Ike Turner, who died before the record could be finished, the album was the Black Keys' biggest to date, debuting in the Billboard Top 15 and earning strong reviews.

Following their second live DVD, the Black Keys spent 2009 on side projects, with Auerbach releasing his solo album Keep It Hid in the beginning of the year, and Carney forming the band Drummer, in which he played bass. At the end of 2009, Blackroc, a rap-rock collaboration between the band and producer Damon Dash, appeared. Brothers, released the following year, saw the Keys returning to their tough blues roots with a new grandness, earning three Grammy Awards, landing on year-end lists from NPR to Rolling Stone, and going gold. The band offered a more straight-ahead rock & roll sound with 2011's El Camino.

2008 - Attack & Release [dwld]

2010 - Brothers [dwld]

2006 - Magic Potion [dwld]

2002 - The Big Come Up [dwld]

2011 - El Camino [dwld]

2003 - Thickfreakness [dwld]

2004 - The Rubber Factory [dwld]

Stanley Kubrick e o Sentido da Vida

2011-12-07T15:24:00.002-02:00

Em Cartaz no... http://depredando.tumblr.com

2011-12-06T11:18:00.003-02:00

As atualizações por aqui estão meio largadas, mas continuam intensas no nosso Tumblr, que já tem mais de 550 posts exploráveis através do nosso Baú de Guardados. Outros tumblrs bacanas que tenho espiado e curtido (recomendo uma conferida...): Abstinência Cerebral, Ghost in the Machine, Fome de Tudo, Sosyalist, Senso Crítico, Honeyboo, Nameless Here For Evermore, Dubpsychosis, Re-discando, Innespeakin, Youth Against Fascism, Heitor Airplane, Poesia Brasileira...

Suor Elétrico

2011-12-06T10:53:00.000-02:00

(Atende pelo nome de "Mooney Suzuki" um bando de garageiros descontrolados nova-yorkinos que já devem ter sofrido altas perdas audititivas de tanto tocar com amplis no talo. Electric Sweat, disco de 2002, foi gravado em Detroit ["birthplace of dirty rock'n'roll"], num estúdio por onde já passaram White Stripes e Jon Spencer Blues Explosion, e honra a tradição encardida do MC5 e dos Stooges. Vale conferir! Dica do Pedrin' Bang Bang.)

<<< DWLD >>>

"Happiness is only true when shared" (Into The Wild)

2011-11-28T15:30:00.000-02:00

“So many people live within unhappy circumstances and yet will not take the initiative to change their situation because they are conditioned to a life of security, conformity, and conservatism, all of which may appear to give one peace of mind, but in reality nothing is more damaging to the adventurous spirit within a man than a secure future. The very basic core of a man’s living spirit is his passion for adventure. The joy of life comes from our encounters with new experiences and hence there is no greater joy than to have an endlessly changing horizon, for each day to have a new and different sun.” ― Chris McCandless (a.k.a. Alexander Supertramp)

17º Goiânia Noise - 02 e 03 de Dezembro - Programação

2011-11-24T13:03:00.007-02:00

Do site da Monstro Discos: "17 anos. Música independente de verdade. O mais profundo raio-x da cultura alternativa brasileira. Novas experiências. O tesão de sempre.

Em sua 17ª edição seguida, o Goiânia Noise sai da zona de conforto e inova mais uma vez. Uma programação condensada em duas noitadas de rock sem parar! Trinta e três bandas de todo o País e ainda três atrações internacionais de peso! Nomes como The BellRays, Gerson King Combo, Raimundos, Siba, Cidadão Instigado, DeFalla, Delinquent Habits e muito mais.

Diferentes estilos, linguagens e sotaques. Menos nhém-nhém-nhém e mais rock! Um apavorante e inusitado Museu dos Monstros. A participação mais do que especial de Gil Brother, o Away de Petrópolis. HQs, livros, design, cinema, moda, tecnologia... artes integradas. Tudo reunido num dos lugares mais tradicionais de shows de Goiânia: o Sol Music Hall, no Jaó.

Goiânia Noise Festival, a maior festa do rock independente brasileiro!

Cai dentro!!!"

Dia 2/12 – Sexta-feira:18h – Chacina (GO)

18h30 – Black Queen (GO)

9h – Atomic Winter (GO)

19h30 – Lady Lanne (GO)

20h – The Neves (DF)

20h30 – FireFriend (SP)

21h – Peixoto e Maxado (SP)

21h30 – Space Truck (GO)

22h – Oitão (SP)

22h30 – BigBang (Noruega)

23h – Hellbenders (GO)

23h30 – Bang Bang Babies (GO)

00h – Delinquent Habits (EUA)

00h30 – Os Haxixins (SP)

01h – Raimundos (DF)

01h50 – Cidadão Instigado (SP)

02h40 – The BellRays (EUA)

Dia 3/12 – Sábado:

17h – Doentes do Amor (GO)

17h30 – Darshan (DF)

18h – Kamura (GO)

18h30 – Dry (GO)

19h – The Galo Power (GO)

19h30 – The Pro (DF)

20h – Vida Seca (GO)

20h30 – Diablo Motor (PE)

21h – Bambinos Selvagens (RS)

21h30 – Beach Combers (RJ)

22h – Kães Vadius (SP)

22h30 – Cassim & Barbária (SC)

23h – Mechanics (GO)

23h30 – Brollies and Apples (SP)

00h00 – Claustrofobia (SP)

00h30 – Violins (GO)

01h00 – DeFalla (RS)

01h50 – Siba (PE)

02h40 – Gerson King Combo (RJ)

Mais informações: http://www.goianianoisefestival.com.br/index.php

Local: Sol Music Hall, Clube Jaó, Avenida Quintandia, St. Jaó

Data: 2 e 3 de dezembro de 2011

Vendas: Ambiente Skate Shop, Monstro Discos e Hocus Pocus Livraria

Ingressos: 20 reais antecipados e 30 reais na porta (por noite)

The Bellrays - Discografia

2011-11-23T13:05:00.005-02:00

Do site oficial do Goiânia Noise: "Blues é o professor. Punk é o pregador. Bellrays é emoção e energia, experiência e talento cru, espírito e intelecto. Bob e Lisa Kekaula criaram a banda em 1991, na Califórnia. Eles só queriam tocar e se sentir bem. Então eles levaram para o palco tudo o que sabiam sobre os Beatles, Stevie Wonder, The Who, Ramones, Billie Holiday, Lou Rawls, Hank Williams, Jimmy Reed, Led Zeppelin... Esse é o Bellrays, uma espécie de AC/DC com Aretha Franklin nos vocais. Ou uma Janis Joplin berrando em uma banda que misturasse MC5 e Stooges."

Bellrays é o headliner do Goiânia Noise 2011 e toca na sexta, 02 de Dezembro. Imperdível!

The Bellrays - Grand Fury - 2000 [download]

The Bellrays - Let It Blast - 1998 [download]

The Bellrays - Hard Sweet and Sticky - 2008 [download]

Black Lightning - 2011 [download]

to be continued...

Ná Ozzetti em Goiânia - Terça (22/Nov)

2011-11-20T10:27:00.008-02:00

Meu Quintal (2011) [download]

SWU: Provocações, Dúvidas, Inquietações, Impressões...

2011-11-18T13:34:00.003-02:00

Não é nova a idéia de pôr um festival de música a serviço de uma causa política, seja o auxílio a refugiados e famintos, seja vítimas de guerras ou catástrofes naturais: do Concert For Bangladesh (organizado por George Harrison no começo dos anos 1970) ao Tibetan Freedom Concert, do Live Aid (de Bod Geldof, que falou na SWU-2011) ao Porão do Rock brasiliense (que já arrecadou 174 toneladas de alimentos em suas 14 edições), para ficar em poucos exemplos.

Em sua segunda edição, o festival SWU, realizado com verba de 6 milhões e 200 mil reais liberados pelo Ministério da Cultura Brasileiro, reuniu quase 180 mil pagantes em Paulínia (SP) em três dias de shows, conferências, mesas-redondas e muita CHUVA e LAMA. O que é um tanto inquietante, além desta quantidade de verba pública do MinC aí investida, é que a SWU não é exatamente um evento "benificiente" cujos lucros seriam revertidos em prol da Sustentabilidade Ambiental, tão propalada pela organização como uma espécie de eixo temático do festival.

Um evento tão faraônico, que recebe um público que bate nos 200.000 pagantes (e que ainda por cima consomem em quantidades colossais dentro do festival), deixa no ar o mistério: quanta grana se ganha com isso? E ela vai para o bolso de quem? Não há muitos lucros privados envolvidos neste evento realizado com verba pública? Tenho muita curiosidade de saber qual o faturamento da SWU e qual o destino que será dado a esta dinheirama. Acho até que o festival deveria ser obrigado, em nome da transparência, a divulgar estes números diante da sociedade para que possamos ter uma idéia mais clara do que está rolando nos bastidores deste mega-evento que promete acompanhar-nos década afora, ano a ano, sempre com atrações internacionais de alto calibre. E caso esteja servindo para o enriquecimento de poucos, ou seja, para a piora da condição já terrível de concentração de capital e má distribuição de renda, teremos que olhar o festival e suas pretensões benévolas com ceticismo e confrontação!

Suspeitar é necessário. Quem não pergunta não pensa. Quem não põe em questão acaba engambelado, manipulado, feito de trouxa. Cabem as questões: a tal da "sustentabilidade" é uma genuína preocupação do SWU ou seria mais uma espécie de fachada filantrópica que esconde outros interesses inconfessáveis? Claro que é de bom-tom, muito politicamente correto, dizer que o objetivo por trás de tudo é ajudar a salvar o planeta Terra. Mas será que isso é dito meio que da boca-pra-fora, com o talento maquiavélico dos sofistas contemporâneos, mestres na arte do lobby, como uma justificativa aceitável perante o Estado, ou existe de fato algo equivalente a um movimento cultural/social de relevância sendo colocado em movimento? Sei não, sei não... é conveniente demais este bom-mocismo todo, gerador de tamanhos dividendos e lucros, ornado de tamanha espetaculosidade e campanhas midiáticas, para que uma pulga atrás da orelha não fique a me cochichar nos ouvidos: aí tem coisa, aí tem mutreta!

No intervalo entre os shows, os telões lá em Paulínia foram dominados pelas "vinhetas" oficiais da SWU. Mensagens edificantes sobre a necessidade de cuidarmos com carinho de nosso planetinha ameaçado mesclavam-se a tuitagens escolhidas por uma única razão: a auto-glorificação do festival. Não me lembro de nenhum tweet minimamente contestador, questionador, minimamente politizado. Só um amontoado de "valeu SWU, você é demais, que coisa foda, parabéns, concretizei meu sonho" - e por aí vai. Já as liçõezinhas de edificação, destinadas aparentemente a despertar no público a "consciência ecológica", vinham num estilo altamente publicitário, não sendo muito diferentes do que se veria nos reclames do plim-plim da rede Globo...

E sempre batia-se na mesma tecla: "começa com você". Um slogan que não ficaria mal se escolhido pela Nike ou pelo McDonalds. Me incomoda a dimensão marketeira da bagaça toda. A SWU nos cutuca as orelhas com um matraquear cansativo sobre o "starts with you!", mas... não faz muita coisa além disso: sugerir que a mudança começa no indivíduo. E que "pequenas atitudes geram grandes mudanças". Que simplismo! O que pode um indivíduo solitário, por exemplo, para que as Guerras do Petróleo cessem no Oriente Médio? E isso tem tudo a ver com sustentabilidade: caso o Império Norte-Americano, maior consumidor mundial de petróleo e maior poluidor atmosférico do mundo, recuse-se a diminuir a marcha de seu desenfreado "progresso" e continue a cagar em cima de Protocolos de Kyoto e resoluções da ONU, a bioesfera vai tornar-se cada vez menos capaz de sustentar a Vida em toda a sua diversidade... E não ouço a SWU falar nada sobre o tema.

Só estive lá no 3o dia de festival e não acompanhei o Fórum de Sustentabilidade, que teve cerca de 3.000 presentes (segundo a Super Interessante), um índice mísero que representa MENOS DE 2% do público total do festival. As "iniciativas que podem mudar o mundo" que a matéria da Super relata que saíram do debate me parecem mais como paliativos ou soluções parciais do que como idéias realmente revolucionárias. Parece que em momento algum se põe em questão o principal: que este sistema econômico capitalista-neoliberal, cujo combustível é um petróleo que tende a uma escassez progressiva, baseado no consumismo desenfreado que transforma nossas metrópoles em lixões poluídos e selvas-de-pedra desarvorizadas, é o X da questão. Eis aí uma "verdade inconveniente" (bem mais que aquela do Al Gore!) e que um festival como SWU, que está inserido neste sistema, não tem a coragem (ou o interesse) de questionar. O Occupy Wall Street e o Movimento Zeitgeist, por exemplo, estão dizendo que a solução passa necessariamente pela derrubada da Tirania das Finanças e do Capital Especulativo: não há como falar em Sustentabilidade sem falar numa radical transformação do próprio capitalismo. Sobre isso a SWU se cala. E é um silêncio inquietante.

Mas convenhamos: uns 90% do público presente estava lá pelas bandas, pela festa, pela bebedeira, pela azaração, não ligando a mínima para debate ideológico, discussão política, fórum ambiental... É, no mínimo, um enorme desperdício de potencial quando um festival que se diz preocupado com Sustentabilidade não faz mais esforços no sentido da conscientização da multidão que ali estava.

Na Praça de Alimentação, é verdade, havia a opção de rango vegetariano, ainda que com preço salgado (tudo acima de 10 conto e tudo refeições em doses míseras...). Havia também uns cartazetes, bem pequenos, que perguntavam: "Se você ama alguns animais, por que come outros?" Acho uma bela iniciativa oferecer esta alternativa à alimentação carnívora e despertar este tipo de questionamento naqueles que amam seus cãezinhos e gatinhos e não vêm nenhuma contradição em devorar pedaços de cadáver de boizinhos e franguinhos...

Tudo bem. Mas por que uns cartazinhos miúdos ao invés de outdoors gigantescos? E por que não fazer uma campanha mais bem-bolada para explicar aos presentes qual a relação entre vegetarianismo e sustentabilidade? Pois grande parte da galera não tem a mínima noção de que existe uma relação entre o consumo de carne, o aquecimento global e o desmatamento da Amazônia. Se a SWU se diz tão dedicada à ampliação da consciência social a respeito de problemas ambientais, deveria utilizar meios mais eloquentes e poderosos para fazer-nos compreender que a devoração maciça de hot-dogs, hambúrgueres e almôndegas é bem menos "inocente" do que muitos carnívoros com consciência-tranquila pensam. Para responder à demanda dos consumidores por carne, as empresas precisam, por exemplo, derrubar florestas para colocar no lugar suas "fábricas de carne". O Pulmão do Mundo, a Amazônia, sendo retalhada, substituída por uma pecuária-de-linha-de-montagem, onde os animais vivem nas condições mais grotescas e degradantes, e isso porque milhões, inconscientemente, não querem trocar seu strogonoffe por soja-e-legumes... Cadê a SWU chamando a atenção para a questão do consumo consciente?

Outra questão que não vejo colocada: a SWU aconteceu por duas vezes no interior de São Paulo, em Itu (em 2010) e em Paulínia (em 2011), sendo que uns 95% do público presente teve que chegar ao local do evento... utilizando algum tipo de transporte emissor de CO2. A organização do festival não foi ridícula a ponto de dizer "venha de bicleta pra SWU!" pois ninguém encararia a odisséia de pedalar umas 30 horas e chegar já moído no festival. O que a SWU fez foi bombar o preço do estacionamento para a estratosfera – 100 REAIS a diária para os carros com 1 ou 2 passageiros! E com um bônus: carros atolados na LAMA! Convenhamos que é um tremendo incentivo para que não se vá de caranga até lá. Mas e daí? Vai-se de busa, de van, de moto... E as emissões de poluentes desses quase 200 MIL migrantes, em um fim-de-semana, são algo considerável. E aí, como é que fica o papinho de Festival Sustentável diante deste quadro?

E o quadro se complica ainda mais quando pensamos no seguinte: a SWU não quer nos deixar entrar no recinto com comida e bebida que trazemos de casa. Na entrada, uma revista rigorosa nos priva dos "excessos" de comes-e-bebes: cada pessoa só pode entrar com um mísero copinho de 200ml de água mineral e 2 pacotinhos míseros de salgadinho/bolacha/etc. A intenção por trás disto, como me parece óbvio, é nos prender dentro dos muros e NOS FORÇAR A CONSUMIR. Se eu quiser levar para a SWU um sanduíche natural feito em casa, uma garrafa de 2 litros de suco de laranja caseiro, uma salada de frutas, não me deixarão entrar com o rango e me forçarão a gastar uma FORTUNA para comer e beber lá dentro. E comendo lá dentro encherei o bolso de alguma empresa de grana. E bebendo por lá encherei o bolso da Heineken de grana. E assim gira o mundo "sustentável"...

Ora, é como se a SWU fingisse não perceber nenhum tipo de vínculo entre CONSUMISMO e DESTRUIÇÃO AMBIENTAL. A SWU se faz de boba nesse ponto. Quer-nos consumindo loucamente (o que não faltavam naquele lugar eram CAIXAS!) e jamais faz o mínimo esforço no sentido de conscientizar o público de que o estilo-de-vida consumista é um dos fatores que está esmerdeando nossa biosfera.

O preço do ingresso, aliás, já é evidência suficiente de que a SWU – tal qual outros grandes festivais como o TIM, o Planeta Terra, o Rock In Rio... - interessa-se pelos bolsos da classe média para cima. Pagar 200 paus para um dia de balada não é mole. Pagar mais de 500 mangos para 3 dias... é um tremendo luxo. E enquanto nós nos divertimos com nossos shows prediletos, alguns penam com um isopor de bebidas sobre a cabeça ou pesando nas costas, como burros-de-carga que circulam por entre o público em horário de penosa labuta...

Não querem politizar ou conscientizar o público mais do que é conveniente para garantir um desenrolar impecável do mecanismo lucrativo. Não nos deixemos enganar: SWU não é o nome de uma ONG. Não é filantropia, humanitarismo, beneficência... A SWU me parece ser uma das manifestações de uma Sociedade do Espetáculo sobre a qual Débord nos alertou já fazem algumas décadas. E ainda nem começamos a nos questionar de verdade se nosso Entretenimento e nosso Consumo são tão "inocentes" quanto gostamos de acreditar - ou se realizamos, em plena inconsciência, aqueles atos que, repetidos por centenas de milhões, pesam sobre o lombo do Planeta a ponto dele entrar em pane...

E outra: cadê a força do SWU para as bandas independentes? Aquele palco menor, toda hora que eu passava por lá, estava bem meia-boca, tomado por bandinhas bem paia. Seria muito mais interessante que houvesse um palco dedicado ao Cenário Independente brasileiro, que poderiam ser escolhidas em várias seletivas estaduais durante o ano, ganhando a chance para se apresentar para o maior público de suas vidas... O fato do Black Drawing Chalks ter sido escalado no ano passado me pareceu um ótimo sinal, mas a SWU 2011 deu um passo atrás. Por mais polêmicas e hostilidades que o Circuito Fora do Eixo esteja despertando, acho que seria imensamente mais bacana se este palco menor da SWU fosse "gerido" pelo FDE, que com certeza traria um conteúdo e uma diversidade muito maiores àquele espaço. A SWU quer realmente auxiliar a música independente brasileira a ampliar sua repercussão e sua ressonância, quer apostar nos novos talentos que estão surgindo às pencas no excitantíssimo cenário dos Festivais FDE/Abrafin, ou vai abraçar de vez o mainstream, trazer só figurões gringos e botar mais lenha na fogueira da americanização da cultura brasileira?

Ficam as questões. Seguimos aguardando as respostas.

SWU - 14/11 - Diário de Bordo

2011-11-18T13:33:00.002-02:00

Só animei de ir ao 3º dia da SWU. As pópices comercialóides de Black Eyed Peas, Duran Duran e Peter Gabriel aniquilaram qualquer ânimo de ir aos dois primeiros dias (fora a falta de grana...). Dentre as atrações dos dois primeiros dias, tava afinzaço de ver a grande Susan Tedeschi junto de Derek Trucks e os dinossauros do Lynyrd Skynyrd - mas fiquei só passando vontade. Outra das apetitosas aparições que valeria a pena conferir, o Modest Mouse, cabou por cancelar seu show (equipamento não chegou), de modo que acompanhei de leve, pela net, os acontecimentos dos 2 primeiros dias sem sofrer muito por não estar lá in loco:

a "treta" entre os roadies do Ultraje a Rigor e do Peter Gabriel, que saíram no soco e na cabeçada em cima do palco, em irrupções de selvageria bélica e patriotismo xenófobo que foram, no mínimo, o maior mico; o espetáculo circense da Courtney Love, que como de praxe faz qualquer coisa pra aparecer - mostra o peitinho, xinga quem mostra a foto de Kurt Cobain, manda Dave Grohl tomar no cu, pede para a platéia chamar o Foo Fighters de banda de viadinhos, e depois ainda se acha super punk ao fazer cover de... Michael Jackson. (Courtney não têm som que segure a responsa, então apela pro freak-show! A Brody Dalle no auge dos Distillers dá de 10 nela!) E o Chris Cornell, meu.... que idéia de jirico foi essa de tocar Unplugged, só voz e violão, num festival ao ar-livre e com público de mais de 50 mil?!? Acústico é coisa de pub, de teatro, de ambiente intimista, meu nêgo! A negada queria era uma bandaça grungy tocando pesado feito o Sabbath e com aqueles lindos esgoelamentos de "Outshined", "Spoonman", "My Wave"... Enfim: não tenho a sensação de ter perdido muito coisa nos 2 primeiros dias de festival. Já no 3º...

* * * * *

SPREAD YOUR LOVE LIKE A FEVER!

A impressão que o Black Rebel Motorcycle Club me deixou foi similar àquela que tive depois que assisti o Jesus & Mary Chain (aquele do revival): um show preciso, mas sem verve; nenhuma nota fora-do-lugar, mas com pouco improviso e piração; tudo muito bem-ensaiadinho e executado com máxima perícia, mas... empolgação muito baixa para incendiar a platéia.

É verdade que não deve ser fácil encarar um público gigantesco, em país estrangeiro, num palcão daquele tamanho, ainda mais para aqueles que têm uma certa tendência à timidez... O Black Rebel me pareceu uma banda que sofreu, ao menos na SWU, com um certo stage fright. Pareciam um tanto paralisados pelo medo. E o medo deixou a banda mais grave, soturna e sem humor do que eu imaginava que seria. Enganou-se quem – como eu – esperava que o B.R.M.C. ao vivo fosse um esporro punk altamente divertido.

O show foi sério e contido demais. O que não impediu os ouvidos da gente de curtirem toda uma série de canções certeiras, executadas como se fossem o próprios Cds sendo tocados naqueles mega-auto-falantes: "Spread Your Love", "Ain't No Easy Way", "Love Burns", "Whatever Happened to My Rock'n'Roll"... só sonzeira. Mas em matéria do que se conhece por "presença de palco" e "carisma"... o B.R.M.C. foi brochante.

Um dos caras – aquele que parece um Jack White mais gordinho e bochechudo... - permaneceu quase o tempo todo de olhos fechados. Por mais que isso seja bom para a concentração, não pude deixar de pensar comigo mesmo: porra, se fosse eu, diante dum oceano de gente desses, num dos acontecimentos mais impressionantes da minha vida, eu gostaria de manter os olhos bem abertos! O outro cara, de óclinhos escuros, até se soltou mais no finzinho do show, desceu para perto da galera, foi minimamente performático, mas, no geral, o Black Rebel fez uma apresentação digna de banda shoegazer. Só faltou rubor roseado nas faces feito as mocinhas pudicas daqueles romances do século 18...

TAKES A TEENAGE RIOT TO GET ME OUTTA BED RIGHT NOW

A lenda viva do rock independente norte-americano Sonic Youth voltou a terra brasilis poucos dias depois de anunciarem publicamente o fim dos 27 anos de casamento entre Thurston Moore e Kim Gordon. Suspeitei que seria o fim-da-linha e a última oportunidade para ver os caras ao vivo. O show na SWU não fez jus a um legítimo show de despedida – e é bem provável que os caras ainda sigam jornada e se despeçam em New York City, terra natal, em meio às lágrimas de luto dos fãs deserdados...

Fizeram o que sabem fazer de melhor, e com competência. Muita microfonia, muitas afinações estranhas de guitarra, muito instrumento sendo esfregado em lugares um tanto incomuns... Todas aqueles doideras que um dia foram muito surpreendentes e acachapantes mas hoje se tornaram altamente previsíveis. Achei que Kim Gordon cantou músicas demais – e eu, que sou bem mais o vocal de Lee Ranaldo e Thurston, fiquei um tanto contrariado pela escolha do repertório. Não adianta: Kim Gordon não têm uma voz lá muito bonita e não é uma cantora lá muito expressiva (é só comparar com uma PJ Harvey e ver a tremenda diferença!) e as letras que canta são bem mais-ou-menos em comparação àquelas duma Lydia Lunch, por exemplo.

De qualquer modo, deu pra viajar... É admirável ver ao vivo os caras que transgrediram tantas regras e deram ao mundo do rock'n'roll algumas das melhores provas do que é chamado, no âmbito da música clássica do século 20, de "emancipação da dissonância". Em outras palavras: o Sonic Youth sabe soltar as rédeas do caos e deixar este capeta vagar por aí, peralta, trovejante, despejando sobre nossos tímpanos tempestades de eletricidade descontrolada...

O Megamorte eu só vi e ouvi de longe, com a certeza absoluta de que meus tempos de metaleiro adolescente foram algum tipo de psicopatologia gravíssima que me fez enxergar algo incrível nesse treco que hoje me parece tão risível. É como se o Pato Donald tivesse sido condenado ao Inferno e retornasse à terra para cantar uns thrash metals do Capeta com a voz de quem está com sentado na privada com prisão-de-ventre. E a foto acima diz tudo sobre o Mustaine: tá bom pra ser garoto-propaganda da L'Oréal...

I'M NOT DEAD AND I'M NOT FOR SALE

O primeiro show da noite que realmente empolgou foi o do Stone Temple Pilots: só música foda, numa sequência matadora, com o público ganho do começo ao fim e altos "coros" de fazer grunge molhar de lágrima a camiseta de flanela.

Lembro que o STP era zoado de "sub-Pearl-Jam" na época de Core, como se fossem tornar-se mais uma one-hit-band que embarcou no hype de Seattle. Que nada. Uma das bandas mais versáteis e bem-humoradas que emergiram daquele cenário, com flertes com o glam e o power-pop, o Stone Temple Pilots é uma puta duma banda noventista que conseguiu sobreviver à junkidade de Weiland com classe.

Tendemos a idolatrar os suicidas, os que morreram de overdose, os Cobains, Stanleys e Woods, mas os sobreviventes também merecem palmas. Scott Weiland, todo jeitoso em seu terno-e-gravata, cantou pra cacete, mostrou estar a todo gás, aparentemente mantendo suas veias longe da junk e injetando só música nas veias. A multidão cantando junto com "Plush" foi um momento extasiante. Melhor ainda a linda sujeira de sons como "Wicked Garden" ou "Silvergun Superman", sons que na adolescência eu adorava pôr no som, no talo, para me esgoelar junto.

Foi tão bom que deu a impressão de acabar rápido demais. Showzaço de hard-rock de arena!

DOWN IN A HOLE AND I DON'T KNOW IF I CAN BE SAVED

O Alice in Chains tenta sobreviver à O.D. letal de Layne Stanley e não faz feio nesta sua nova encarnação. O novo vocalista têm um timbre de voz muito semelhante ao do falecido e aguenta bem a responsa de encarar uma galera monstro. Só que há uma imensa diferença entre os dois: Layne Stanley era um cara profundamente melancólico, auto-destrutivo, pálido feito um cadáver, mestre em interpretar algumas das obras-primas mais sombrias e fundo-do-poço do rock noventista.

O cara cantava com uma angústia, uma raiva e um nojo existencial que pareciam subir direto de vísceras apodrecidas. Parecia contaminado por uma NÁUSEA sartriana por existir neste mundinho infame. Entoava lamentos como se estivesse enterrado vivo num buraco, sem salvação, como na linda e épica "Down in the Hole", talvez a obra-prima do fodástico Dirt, um dos clássicos-mor na história do Grunge. A morbidez de Stanley era tamanha que me lembro de pensar, ao assistir o incrível Unplugged MTV dos caras, que o Alice in Chains foi a única banda que deixou o Acústico MTV parecendo um filme-B de zumbi.

O novo vocalista, ao contrário, parece ser sujeito mais de-bem-com-a-vida. Negão sanguebom, cabelão black power, camiseta do Led, parecendo saído do Mars Volta/At-The-Drive-In, é bem mais vivaz e serelepe do que Layne Stanley. Se dá melhor nas músicas mais punk - "We Die Young", "Them Bones" - do que naquelas mais arrastadonas e pé-na-cova. No geral, acho que o Alice in Chains encontrou um excelente substituto para o posto do quase insubstituível Layne, ainda que acabe soando como uma Banda Cover de Luxo.

Debaixo de uma chuvinha teimosa e gelada, que serviu como ótimo contraponto atmosférico a sons como "Rain When I Die", o AIC fez o show mais deprê da noite, com alguns dos momentos artisticamente mais belos de toda a SWU: Jerry Cantrell, o sujeito mais nórdico do rock ocidental (o loirão nem parece norte-americano com esse puta jeitão de dinamarquês!), tocou lindamente e nos brindou com alguns dos mais magníficos solos de guitarra da noite. Que guitarrista fudido. Cheio de feeling, faz aquelas seis-cordas chorarem e berrarem como poucos. Todos os clássicos tavam lá: "Man in a Box", "Rooster", "Angry Chair", "No Excuses", final apoteótico com "Would?"...

No ano em que o grunge completa 20 anos de ESTOURO - em Setembro de 2011 a nitroglicerina Nevermind tinha seu pavio aceso para mudar para sempre o cenário musical, levando o punk para as massas (the year that punk broke...) e chamando todas as atenções do mundo para o noroeste dos EUA e o epicentro Seattle... - o público brasileiro teve um banquete grunge primoroso. Na mesma semana, tocaram por aqui Pearl Jam, Alice in Chains, Stone Temple Pilots, o ex-Soundgarden (e Audioslave) Chris Cornell... Se o rock americano prosseguir tão caidinho e meia-boca como anda, não resta muito a fazer senão reverenciarmos, cheios de nostalgia, esta magnífica cena que marcou os anos 90 com um rastro de suicídios, overdoses, shows-hecatombe, catarses fudidas e algumas das melhores canções com guitarra distorcida e vocal esganiçado que a humanidade já pôde produzir.

YOUR MENSTRUATING HEART AIN'T BLEEDIN' ENOUGH FOR TWO

O Faith No More, que encerrou a SWU, me pegou já extenuado pela maratona e mal conseguindo me sustentar de pé. Mesmo assim, depois de horas de chuva na cabeça, lama no tênis e demandas excessivas para minhas pernas sedentárias, a trupe de Mike Patton conseguiu impressionar com sua roleta-russa esquizofrênica malucona. A potência vocal de Patton é um bagulho tão absurdo quanto suas variadas loucuras escancaradas: esse cara é prova viva de que alguns não são enfiados pelas autoridades em hospícios justamente pois conseguem canalizar suas neuroses na direção da criação artística.

Vestidos de pais-de-santo, rodeados de flores, invocando Exu no terreiro enlameado de Paulínia, os doidões do Chega-de-Fé atacaram pra tudo quanto é lado: musiquinha de elevador, hardcore gritadaço, popzinho romântico fácil, thrash metal gutural, coralzinho das meninas de Heliópolis, hard-rock de arena, sarau de poesia nordestina... Uma bagaça totalmente desconexa e fragmentária, altamente pós-mô, original até dizer chega.

Mike Patton surpreendeu como stand-up comedian e rendeu algumas das melhores risadas de toda a SWU. O sujeito tem umas 50 diferentes vozes e poderia ser imitador profissional em algum programa de TV. Falou em português macarrônico com o público, mas seu curso intensivo do idioma lusitano parece ter sido dedicado apenas a palavrões e gírias de baixo calão. Sem economizar no "porra, caralho, merda" e suas corruptelas, Patton se esgoelou lindamente, desceu pro meio da galera e não economizou um mililitro do combustível vasto que tinha em seu tanque.

Senti falta das fodaças "A Small Victory" e "Falling to Pieces", mas tá valendo. É entusiasmante presenciar uma banda tão ousada, eclética e selvagem utilizando uma espécie de metralhadora giratória estética que não deixa ninguém sair do recinto sem ser baleado.

Tanta criatividade unida a tamanho destemor em relação aos clichês e regrinhas sobre o que é são/saudável/bonito não se vê toda hora. Ao Faith No More cai como uma luva o inesquecível verso do poeta Guilherme Mandaro: "‎Que não seja o medo da loucura que nos obrigue a baixar a bandeira da imaginação!"

Depredando a Mixtape - Vol. X - Novembro '11

2011-11-12T15:45:00.002-02:00

Mixtape novinha saindo do forno! A danada reúne clássicos dos primórdios da roqueiráge (Little Richards, Carl Perkins, Eddie Cochran...), pepitas psicodélicas sessentistas da caixinha Nuggets (Standells, Knickerboxers, Chocolate Watchband...), garageiras e punkices mais mûdernas (Hives, Rancid, King Khan, Bellrays...), sem falar numa das grandes revelações de Goiânia Rock City nos últimos tempos: o power-trio brasa Ultravespa, uma das mais bandas mais legais aqui da cena. São 22 cancionetas que reúnem 1 horinha e pouco do bom e velho rock'n'roll - que, como diz o AC/DC, não tem nada de poluição sonora! É pura energia flamejante fazendo o sangue correr mais veloz dentro das veias. Grande parte desses sons foram "rolados" na minha discotecagem no Metrópolis Retrô, durante a festa rockabilly da Sexta-Feira 11/11/11, quando os Dinamites (DF) fizeram mais um showzaço na capital goiana.

Só pegar e disseminar!!!

MIXTAPE VOLUME X - ROCK'N'ROLL AIN'T NOISE POLLUTION
Download: http://www.mediafire.com/?q12z5j1521p3bp4

22 tracks in playlist, average track length: 2:48

Playlist length: 1 hour 1 minute 40 seconds

01 - Little Richard - Long Tall Sally (2:09)

02 - Carl Perkins - Blue Suede Shoes (2:17)

03 - Jerry Lee Lewis - Whole Lot Of Shakin' Going On (2:53)

04 - Eddie Cochran - Summertime Blues (1:59)

05 - The Remains - Don't Look Back (2:43)

06 - The Chocolate Watchband - Sweet Young Thing (2:59)

07 - Johnny Kid - Shakin' All Over (2:23)

08 - The Standells - Dirty Water (2:48)

09 - The Knickerbockers - Lies (2:44)

10 - Captain Beefheart & the Magic - Diddy Wah Diddy (2:29)

11 - Full Blown Cherry - Rockaway Beach (1:54)

12 - Fuzztones - 1-2-5 (2:37)

13 - Ultravespa - Motel Barato (4:23)

14 - Devin Davis - Moon Over Shark City (2:19)

15 - The Hives - Main Offender (2:35)

16 - The Sonics - Strychnine (2:12)

17 - Rancid - Lock, Step, & Gone (2:25)

18 - The Black Crowes - Thick N' Thin (2:44)

19 - The BellRays - Infection (3:50)

20 - T. Rex - Rock On (3:26)

21 - King Khan & His Shrines - Mr. Supernatural (4:10)

22 - The Brian Setzer Orchestra - Let's Live It Up (3:41)

Especial SWU 2011

2011-11-06T12:04:00.005-02:00

Às vésperas de um dos eventos culturais mais esperados e espetaculares do ano, Depredando põe na roda alguns itens de destaque nas discografias das mais apetitosas atrações da 2ª edição da SWU, que toma conta de Paulínia/SP entre 12 e 14 de Novembro. Ano passado, nossa truta Ana Alice Gallo esteve em Itu e mandou o relato de como foi a festa que reuniu Rage Against the Machine, Queens of The Stone Age, Pixies, Black Drawing Chalks e muito mais... E neste ano aqui prometemos cobertura pelo menos do último dia, quando o banquete será de empapuçar: Sonic Youth, Alice in Chains, Black Rebel, Primus, Stone Temple Pilots, Faith no More... Enquanto isso, pra aquecer os motores...

Alice in Chains - Dirt (1992) [download]

Faith No More - Angel Dust (1992) [download]

Chris Cornell - Euphoria Morning (1999) [download]

TEDESCHI TRUCKS BAND - Revelator (2011) [download]

B.R.M.C. - Howl (2004) [download]

Stone Temple Pilots - Purple [download]

Lynyrd Skynyrd - Pronounced... (1973) [download]

Megadeth - Peace Sells... But Who's Buying? (1986) [download]

Primus - Sailing the Seas of Cheese (1991) [download]

Sonic Youth - Daydream Nation (1987) [download]

The first mammal to wear pants

2011-11-03T18:46:00.009-02:00

"I'm at peace with my lust.

I can kill cause in God I trust."

"Sou o primeiro mamífero a usar calças", urra Eddie Vedder logo nos primeiros versos de "Do The Evolution", petardo grunge que impactou minha adolescência feito um coquetel molotov. A arrogância antropocêntrica destes mamíferos narcísicos que se acham o centro do Universo recebe do Pearl Jam, nesta nirvanesca catarse hecatômbica, uma crítica tão ruidosa, desbocada, brilhante. Justo quando parecia estar perdendo terreno o lado transgressor e apunkalhado da banda, tão presente no Versus (discaço!), dando lugar ao experimentalismo de No Code e para um som mais calcado no folk de Neil Young, eles trouxeram no meio do irregular Yield esta irrepreensível pedrada. O amor confesso de Vedder pelos Ramones e pelo The Who dá o tom nesta explosiva distopia musicada em que a ironia vedderiana derrama-se pra cima do criacionismo, do militarismo, do fascismo, do capEtalismo, da tecnologia posta à serviço da guerra... O clipe é um espetáculo à parte: Todd McFarlane, criador da HQ Spawn, condensou em 4 minutos de animação frenética toda uma cosmologia misantrópica e apocalíptica assustadora. Faz tempo, muito tempo, que uma banda não comete uma heresia tão maravilhosa e uma canção tão espetacular e empolgante quanto "Do The Evolution"! Pena que, mais uma vez, vou acabar por perder os caras ao vivo no Brasil: tive que escolher entre Pearl Jam ou SWU (dia 14) - e o combo Alice in Chains, Faith No More, Sonic Youth, Black Rebel, Megadeth e Primus faturou a parada...

Na CMJ Magazine, #56, de 1998, Eddie Vedder, entrevistado por Janeane Garofalo, explica um pouco das intenções que teve com esta canção-marco e com o "eu lírico" que assume nela ("canto como se fosse um cara completamente ignorante, embriagado com a tecnologia e a manipulação humana da natureza"). Revela também detalhes sobre como enxerga a religião, alvo de sarcasmo e provocação em "Do The Evolution", demonstrando seu lúcido e bem-humorado ateísmo. Para Vedder, a idéia de Deus foi inventada muito recentemente: não só todos os primatas são ateus (pra não falar de todo o resto do reino Animal, Vegetal e Mineral...), como também a imensa maioria dos homo sapiens que já viveram e morreram neste planeta existiram desvinculados de qualquer mitologia monoteística... Que os crentes não se enganem: 99,9% dos seres vivos que já nasceram foram (e são) ateus. Uma maioria esmagadora. "Deus é como um filme que foi popular demais", diz Vedder. Algo como um blockbuster com happy end, destinado a consolar e agradar os paladares daqueles sedentos por historinhas agradavelmente reconfortantes, mas que talvez não esteja longe de sair de cartaz.

Ouça só:

"E. VEDDER: [In "Do The Evolution"] I feel like I'm not singing as me. In fact, I'm not. It's not about the way I feel. I'm singing as a guy who's completely drunk with technology and man's control, and excited by it, and just ignorant and drunk. (...) I'm like a hunter, out with the boys, or a guy in a bulldozer, knocking over trees, really excited about how I'm manipulating the earth. So I think it would be too much to say it's like a character, but your voice wants to transmit that kind of energy, so it might not be the normal voice that you sing to your wife..."

JANEANE: Can I ask what your feelings are about God?

E. VEDDER: Sure. I think it's like a movie that was way too popular. It's a story that's been told too many times and just doesn't mean anything. (...) Humans, in some shape or form, have been on the Earth for 3 million years. So, all this time... there was no God, there was no story, there was no myth and people lived on this planet and they wandered and they gathered and they did all these things. The planet was never threatened. How did they survive for all this time without this belief in God? I'd like to ask this to someone who knows about Christianity... That just seems funny to me. (...) That laws are made and wars occur because of this story that was written in this small part of time..."

Georgesattva!

2011-10-29T14:14:00.001-02:00

ALL THINGS MUST PASS

George Harrison e a beleza do efêmero

"Christianity will go. It will vanish and shrink. (...) We are more popular than Jesus now; I don't know which will go first -- rock'n'roll or Christianity. Jesus was all right, but his disciples were thick and ordinary. It's them twisting it that ruins it for me."

JOHN LENNON
em entrevista de 1965 à repórter londrina
Maureen Cleave, do Evening Standard,

Os Beatles, se tornaram-se mais uma lenda do que uma banda, foi por terem sido objeto de tão massiva e intensa devoção coletiva. Conquistaram o amor das massas, despertaram fanatismos extremados, ganharam apóstolos entusiásticos, foram elevados à condição de deuses terrenos... A beatlemania representou quase que a emergência espontânea de um novo culto - e não muito bem-visto por aqueles que insistem em depreciar todos os amores terrestres, tão perdidos que estão em celestes idolatrias...

Em abril de 1966, a revista TIME publicava a explosiva matéria-de-capa de John T. Elson em que a pergunta "Deus está morto?" era investigada à luz do conflito-de-gerações escancarado pelas pesquisas estatísticas: 90% dos pais e avós norte-americanos ainda julgavam que a religião era de importância central para a vida humana, enquanto somente 40% dos jovens responderam afirmativamente à esta enquete.

O Movimento Hippie e sua nascente ação em prol da emancipação sexual, comportamental e política ascendia como uma força que varria da Cultura a figura daquele Deus pintudo, autoritário e vingativo que age através de dilúvios, pede que pais sacrificam seus próprios filhos, dizima com fogo Sodomas e Gomorras... Os hippies insurgiam-se, com altas doses de hedonismo pagão e psicodelia mística, a uma religião ascética e repressora que aparecia então, para multidões de jovens - fossem existencialistas, beatniks, reichianos, budistas... - como caduca e obsoleta. Timothy Leary, Krishnamurti, Herman Hesse, Osho, Hendrix: eis os novos gurus de um movimento nascente e efervescente. Não se vêem muitos crucifixos decorando o pescoço daqueles que estiveram em Woodstock ou que atravessaram a América em busões coloridos, celebrando a viagem da vida nas estradas do ácido à maneira dos Merry Pranksters de Ken Kesey...

Após milênios de culto ao sofrimento e ao martírio (Richard Dawkins comenta com sagacidade que idolatrar uma cruz, instrumento de pena capital e tortura, equivale a carregar uma cadeira-elétrica em miniatura pendendo do pescoço...), chegava a hora de outro culto: à paz, ao amor, à fraternidade, à música, à criatividade, à curiosidade, à experimentação, aos deleites terrenos... À liberdade.

"Os Beatles são mais populares entre os jovens que Jesus Cristo", soltou John Lennon um dia, expressando simultaneamente sua audaz profecia (quase nietzschiana) quanto ao futuro do cristianismo: ele iria encolher e se desvanecer, e talvez o rock'n'roll fosse sobreviver à sua morte. Declarações de uma coragem admirável! E que Lennon soltou sem imaginar que, nos EUA, os católicos fundamentalistas e a Ku Klux Klan logo iriam re-acender as fogueiras da Inquisição e condenar os álbuns dos Beatles a virar cinzas. Nada ofende e revolta mais um xiita do que a verdade.

Uma das peculiaridades históricas dos Beatles, me parece, está no fato de que pelo menos dois deles - Lennon e Harrison - tinham visões bem críticas em relação ao monoteísmo que a velha geração continuava a propugnar para a nova. Quiseram ser agentes de uma renovação religiosa, no caso de Harrison, e de um re-despertar do ativismo político e da rebeldia comportamental, no caso de Lennon. Me parece que a decisão de parar de tocar ao vivo, no auge da Beatlemania, tamanho era o bafáfá e a barulheira gerada por um esquadrão de pré-adolescentes histericamente idolatrantes, tem a ver com a busca de outros caminhos que não aqueles da adoração descerebrada e servil.

O excelente documentário de Martin Scorcese revela, por exemplo, um George Harrison que descobriu muito cedo na vida aquelas supostas maravilhas com que sonha todo garoto que quer ser um rock'n'roll star. Ainda com vinte e poucos anos, George e o resto dos Fab Four já tinham rios de dinheiro, multidões de fãs ensandencidos, carrões luxuosos em mansões aristocráticas, destaque constante na mídia, paparicação sem fim. O que descobrem, no entanto, é uma sensaboria ou um amargor por trás dessa riqueza material e exposição midiática. Possuir uma montanha de ouro e ter aparecido na capa de mais de 100 revistas não impede ninguém de morrer. E desse mundo nada se leva.

Numa espécie de re-encenação sessentista do drama 2.500 anos mais antigo do príncipe Gautama (recomendadíssimo, aliás, o magistral romance Sidarta, do Herman Hesse), que abandona seu palácio de conforto e luxo e começa a vagar pelo mundo em busca da Iluminação, aprendendo com ermitões, maltrapilhos e bodhisattvas, George Harrison também descobre a "insubstancialidade" das posses materiais ("all things must pass...") e procura abrir uma nova senda espiritual para si mesmo - utilizando como aliados, é claro, o Hare Krishna, a meditação, os mantras, a música e o LSD.

Hare Krishna, Hare Krishna, Krishna Krishna, Hare Hare,
Hare Rama, Hare Rama, Rama Rama, Hare Hare...

John Lennon busca outro caminho, decerto, mas que têm suas similaridades com o de George no quesito "busca de um estilo-de-vida alternativo". Em sua carreira-solo, quando ele e Yoko Ono estão profundamente engajados contra a Guerra do Vietnã, na lista negra da CIA e do FBI, conclamando as multidões a cantarem em coro nas praças públicas os "hinos" pacifistas "Give Peace a Chance" e "Power to The People", John Lennon remete frequentemente a um mundo sem religião como irredutivelmente ligado à sua Utopia. "Imagine there's no heaven. It's easy if you try. No hell below us. Above us only sky....".

Atacando ao mesmo tempo o patriotismo imperialista, que tinha atulhado a Europa de cadáveres nas duas Grandes Guerras Mundiais, e a religião imperante na vida destes povos que foram capazes de tão obscenas barbaridades ("Imagine there's no countries. It isn't hard to do. Nothing to kill or die for. And no religion too..."), Lennon sonha com um planeta sem fronteiras onde imperasse a fraternidade universal: "a brotherhood of Man".

"You may say I'm a dreamer. But I'm not the only one."

Em "God", canção de Plastic One Band, escancara sua descrença num grande rol de "recusas" à idolatria. Deus não existe, a não ser como um "conceito através do qual medimos nossa dor". Quando Mark David Chapman descarregou seu .38 pra cima de John Lennon, em 1980, nenhum deus interviu para assisti-lo neste momento de tamanha urgência. Nenhum anjo-da-guarda se materializou e lançou-se às balas para pará-las. Enquanto Lennon sangrava até a morte na calçada, não imagino-o olhando para os céus em sua agonia com um olhar de pedinte e perguntando-se "ó Deus, por que me abandonaste?" Lennon já tinha abandonado a fé há muito tempo, e era plenamente consciente disso. Lúcido, sabia que nada vêm de graça, nem da graça (o céu está vazio: above us only sky), e que tudo de bom neste planeta precisa ser construído, exigido, vencido através do combate. E que no final tudo que nos espera é o túmulo e o amor daqueles que sobrevivem a nós.

George Harrison dá outra resposta a seu "dilema" religioso, à sua necessidade de encontrar uma alternativa ao cristianismo-que-virou-ruína: George volta-se para a Índia, amiga-se com Ravi Shankar (o tocador de cítara e mestre de meditação...), e ensimesma-se numa trip contemplativa. Adere aos mantras do Hare Krishna, à contemplação espantada e risonha das belezas naturais, ao cultivo de seu jardim florido... Hippie-búdico-makulelê em busca de paz-de-espírito.

"Ele era uma pessoa muito SENSUAL", conta às câmeras de Martin Scorcese sua esposa-por-30-anos, Olivia, explicando na sequência que por "sensualidade" quer dizer: um anseio para que tudo que a língua toque tenha um sabor marcado, um desejo de que as flores tenham aromas e sejam coloridas e vistosas, uma capacidade de "êxtase" diante de experiências aparentemente tão triviais quanto sentir a brisa que nos roça a pele do rosto...

Ao invés da aceitação sem questionamento de dogmas papagueados por figuras de autoridade, George Harrison, seguindo os conselhos tanto dos gurus indianos quanto do LSD, preferiu a experiência direta, ir em busca da verdade por si próprio, com as próprias pernas, sem aceitar conclusões alheias impostas do alto de um altar. Quis uma verdade que suas mãos pudessem tocar, seus olhos pudessem ver, seus poros pudessem sentir. Uma verdade na qual ele podia inclusive intervir - como fazia com estas encantadoras e encantatórias notas que arranca de sua guitarra. "While my guitar gently weeps..." Um artista cheio de doçura e sabedoria que tentava injetar beleza no mundo e nos convidava a fraternalmente contemplá-la. Foi ao deleitoso contato de sua consciência com o cosmos ao seu redor, em meio ao êxtase quimicamente induzido pelo ácido lisérgico ou à beatitude alcançada através da meditação mântrica, que chamou de "My Sweet Lord" e celebrou em infindos aleluias...

O problema é que seu "anseio por espiritualidade" estava sendo constantemente frustrado pelas intromissões às vezes brutais da materialidade. Lá está George Harrison, sonhando em viver com suas cítaras, sonhando em viver tocando ukelele na grama na posição de lótus com os camaradas, tentando levar uma vida inteiramente imersa nos deleites da música, da amizade, da meditação... e para rasgar este quadro idílico vem um assassinato psicopata que o esfaqueia e, na sequência, a galope, o ataque fulminante do câncer que o mataria. A arte de "viver no mundo material" - Living in the Material World, aliás, foi um título muito feliz que Scorcese encontrou para o sua biografia filmada... - equivale a uma gangorra entre deleites e frustrações: o êxtase das trips, sejam musicais ou lisérgicas, caceteado pela chatice aporrinhante do Taxman que vem colher impostos...

George compôs algumas das mais belas canções dos Beatles ("Here Comes The Sun", "While My Guitar Gently Weeps", "Love You To", "Within You Without You"), inserindo na estética beatle os pendores orientalistas e mântricos que ajudaram a banda transcender tão profundamente o entretenimento de massas e consumarem obras-de-arte tão imorredouras quanto Revolver, Sgt. Peppers, Abbey Road... Deu à luz àquela que Frank Sinatra considerava uma das canções de amor mais bonitas já compostas: "Something" (dedicada a Pattie Boyd, sua primeira esposa, que depois casaria com Eric Clapton). Foi um dos primeiros artistas do primeiro escalão a engajar-se politicamente, seja nos protestos contra a matança yankee no Vietnã, seja como fez durante a Guerra Índia-Paquistão, em 1971, organizando o histórico show beneficiente Concert For Bangladesh.

Seu All Things Must Pass, que considero não somente um dos melhores álbuns-solo já gravados por um ex-Beatle, mas um dos ápices da música popular britânica em todos os tempos, merece um artigo à parte, que tentasse a tarefa impossível de pôr em palavras tanto de inefável que ali se manifesta... Para não me alongar demais nesta "trip", adiciono somente que George Harrison, o mais contemplativo e meditativo dos Beatles, parece-me ser aquele que buscou no Oriente um caminho mais sábio e mais doce em relação às manias ocidentais do individualismo, da ganância, da vaidade, do show-bizz espetaculoso e alienante. Para muita gente que não via mais graça nem verdade em missa, hóstia e papagueações sobre Pecado Original e Culpa, forneceu um outro modelo de espiritualidade, bem mais próxima do hinduísmo, do budismo e do taoísmo do que dos monoteísmos ocidentais. Sua passagem pelo mundo material foi decerto luminosa. E deixou atrás de si muitos humanos profundamente saudosos de seu amor e de sua amizade, multidões de encantados com sua música. Em sua jornada, buscou encontrar o êxtase na contemplação das belezas efêmeras de todas estas coisas que necessariamente vão passar. Sua obra e sua mensagem, mantidas vivas por nós que o admiramos, ainda não passou - e oxalá não passará!

"Isn't it a pity

Isn't it a shame

How we break each other's hearts

And cause each other pain?

How we take each other's love

Without thinking anymore.

Forgetting to give back

Isn't it a pity?

Some things take so long

But how do I explain

When not too many people

Can see we're all the same

And because of all their tears

Their eyes can't hope to see

The beauty that surrounds them...

Isn't it a pity?"

ALL THINGS MUST PASS (1970) . CD 01 . CD 02

Noitada Monstro com Damn Laser Vampires (RS) - 28/10

2011-10-28T14:49:00.000-02:00

download

>>> É hoje! Damn Laser Vampires e Bang Bang Babies na Noitada Monstro especial de Halloween: lá no Metrópolis Retrô, rua 83, a partir das 22h, 15 mangos, Goiânia Punk-Polka City. Bóra?!?

Golden Animals (mezzo Cramps, mezzo White Stripes...)

2011-10-27T10:34:00.003-02:00

Free Your Mind and Win a Pony (2008) - download

“O acaso é uma empresa para a qual tudo conspira.”

2011-10-26T19:07:00.001-02:00

“considerações necessárias

é preciso tirar a poesia da clausura dos concursos, das gaiolas do acaso, do exílio das gavetas, trazê-la para o sabor do consumo rápido e fácil, envolvê-la de popularidade, sem o vulgarismo perigoso do que é descartável, mas também sem a absurda pretensão do que se quer eterno.

poesia para fazer rir e refletir, evoluir e incomodar, propor e decompor. poesia para os botecos, para os gabinetes, para as praças, para os salões de festas, para os mocambos, para as favelas, estúdios, vídeo clipes e palanques.

poesia sem medo, poesia sem trauma, poesia-pão, poesia-sim, poesia-não. pois ia ousar um dia popularizar a poesia.

viva a poesia viva!”

Descobri há pouco, através da dica certeira do Dieguito, a obra do poeta goiano Pio Vargas (1964-1991). Morto em 1991, aos 26, de uma overdose de cocaína, foi "celebrado" por ninguém menos que Paulo Leminski, que sobre ele escreveu:

Leminski

“Pio Vargas tem um “eu” coletivo tão forte que chego a vê-lo muitos. De sua poesia consigo extrair a certeza do que digo, insistente: há uma geração recente que usa e abusa da modernidade, fazendo dela o principal elemento a interferir na criação. Este Pio Vargas me trouxe uma poesia fascinante que não se atrela a falsos modelos de invenção, mas flutua, inventiva, com os mais amplos e possíveis signos do fazer poético.” >>> LEMINSKI

Conta-se sobre sua vida "meteórica" que foi "esgotada na vida boêmia de Goiânia. Ali crepitou nas casas noturnas, principalmente onde reinasse a efervescência cultural." Para quem quiser saber mais, Edival Lourenço, em matéria na revista Bula, revela mais detalhes sobre o amigo. Na sequência, deixo com vocês o belo poema DESPERTÁCULO (belo neologismo que acasalou em êxtase verbal o DESPERTAR e o ESPETÁCULO...), um dos meus prediletos:

Despertáculo

Estou pronto
para a guerra que encontro
quando acordo:

botei vigia nos sentidos
e iludi com comprimidos
outros seres a meu bordo.
Abandonei o vício
de estar sempre
a soletrar ruínas,
dei liberdade a meus detentos
minha pressa diluiu nos passos lentos
e rasguei
meu calendário de rotinas.

Inverti a ordem.

Já não saio por aí
a devorar compromissos,
tomei posse no governo de mim mesmo
e derrotei os meus omissos.

Venci a batalha
de ter que estar sempre por perto,
às vezes voo para dentro
do meu sonho a céu aberto.

Estou pronto:
eu já concordo
com a guerra que encontro
quando acordo.

PIO VARGAS

[+ POESIA:] JOSÉ PAULO PAES

("A posse é-me aventura sem sentido. Só compreendo o pão se divido.")

Blurring Boundaries >>> Beck em 5 Álbuns Essenciais

2011-10-26T13:46:00.000-02:00

"Initially pegged as something as a voice of a generation when “Loser” turned into a smash crossover success, Beck did wind up crystallizing much of the post-modern ruckus of the ‘90s alternative explosion, but in unexpected ways. Based in the underground anti-folk and noise-rock worlds, Beck encompassed all manners of modern music, drawing in hip-hop, blues, trash-rock, pop, soul, lounge music…pretty much any found sound or vinyl dug up from a dusty crate, blurring boundaries and encapsulating how ‘90s hipsters looked toward the future by foraging through the past." - STEPHEN THOMAS ERLEWINE (AMG)

Vocês sabem o que dizem sobre David Bowie: que ele é um camaleão humano, capaz de assumir as mais diversas colorações da escala cromática, experimentando com mais estilos que a mais eclética das orquestras, encarnando mais personas que o Johnny Depp... Suas metamorfoses incluem pit-stops no folk lisérgico regado à androginia de Hunky Dory, o glam-rock sci-fi grandiloquente de Ziggy Stardust, passando pela garageira proto-punk dum Alladin Sane, pelo experimentalismo sombrio e ambient da Trilogia de Berlim, sem citar mais uma dúzia de transmutações...

O caso de Beck Hansen me parece similar: este camaleãozinho consegue se camuflar detrás das mais diversas máscaras, e não somente em fases sucessivas de sua carreira, mas frequentemente no transcurso de um mesmo álbum. Beck é um emblema da música pop nos 90 por apostar numa Estética do Liquidificador que dá primazia à diversidade em relação à unidade - sintoma das transformações trazidas pela Cultura Digital (interconexão cada vez mais intensa de elementos díspares) para a composição musical. Talvez seja sintoma de "pós-modernismo", esquizofrenia, perene crise de identidade. Talvez seja um ímpeto aventureiro de quem deseja sempre explorar novos horizontes. Talvez tudo isso junto.

Beck fez de tudo e mais um pouco. Fez rap de branquelo que, como o dos Beastie Boys, trabalha com a técnica metralhadora-giratória-de-referências - como se a composição fosse composta não por versos mas por links. Fez umas funkeiras que beiram o James Brown e o Sly & the Family Stone, como as bomba-pista "Sexxx Laws" e "Mixed Bizness", do altamente festeiro Midnight Vultures. Fez também uns folks introspectivos e melancólicos que remetem a Nick Drake, especialmente no Sea Change, álbum do coração partido e das lágrimas solitárias. Ainda teve a manha de flertar com a música brasileira da Tropicália, de tentar tornar-se o novo Bob Dylan com as letras hieroglifo de Mutations, tudo enquanto sonhava com aquele corte-de-cabelo do-capeta.

A obra de Beck é vasta, irregular, cheia de seus altos-e-baixos. Mas é algo a se explorar com paciência, sem medo dos labirintos e dos versos non-sense, ainda que beire o impossível compreender por inteiro a salada-de-frutas com cogumelos alucinógenos que ele prepara para nosso delirante paladar.

Aí vão, pois, os 5 álbuns de Beck prediletos de nós aqui do Depredando.

Aprecie sem moderação!

1998 - Mutations

1996 - Odelay

2002 - Sea Change

1999 - Midnite Vultures

1994 - Mellow Gold

Aimee Mann

2011-10-23T15:44:00.000-02:00

"Aimee Mann has always been known for her clever, literate, and dryly witty takes on emotional sabotage and self-destruction. Though happily married to Michael Penn, her fascination continues with 'the freaks who could never love anyone.' With a songcraft often compared with the Beatles and Badfinger, Mann frequently pairs the bleakest of poetry with soaring, infectious melodies." - http://www.aimeemann.com

Bachelor Nº 2 (2000)
http://www.mediafire.com/?ho77ppqdljyf9yq

Magnolia Original Soundtrack (1999)
http://www.mediafire.com/?c2mizxwd03jva2v

I'm With Stupid (1995)
http://www.mediafire.com/?icg6xdzewz3e7od

Whatever (1993)
http://www.mediafire.com/?jfti28jftktqrrp

Alvin Youngblood Hart (o blueseiro-rasta!)

2011-10-22T19:28:00.000-02:00

Big Mama's Door - 1996 - download

Os clipes de Paul Thomas Anderson e Fiona Apple

2011-10-22T17:15:00.012-02:00

Que P.T. Anderson seja um dos mais brilhantes cineastas americanos vivos é contestado por poucos. Na ilustre companhia de Fincher, Nolan e Aronofsky, Anderson é um daqueles raros artistas capazes de encantar as massas sem perder o respeito dos críticos, uma proeza "spielberguiana" de que poucos podem se orgulhar. Depois de cravar um par de clássicos já inscritos na história do cinema noventista em seu currículo (Boogie Nights e Magnolia), depois de atingir dimensões kubrickianas em Sangue Negro, e depois de provar que é um "maestro de atores" tão mágico que é capaz de extrair interpretações memoráveis até dum Adam Sandler (Punch-Drunk Love), Paul Thomas Anderson é decerto uma das mentes mais admiráveis hoje em ação na sétima arte.

Que Fiona Apple seja, de outro lado, uma das compositoras e intérpretes mais talentosas e adoráveis que surgiram nos anos 90 também é difícil de contestar - considerando a complexidade lírica, a autenticidade expressiva, a "aventurosidade" experimental e a ousadia confessional que fazem de Tidal, When The Pawn e Extraordinary Machine alguns dos melhores álbuns criados por uma cantora-compositora nas últimas décadas. Quando "estourou" em 1996 com o clipe-pólvora de "Criminal", carro-chefe do álbum que consagraria a menina-prodígio de 17 anos de idade como um fenômeno capaz de vender mais de 2 milhões e 700 mil cópias (segundo a RIAA), Fiona Apple já demonstrava que conhecia o potencial "visual" de sua música e que prometia dar ao mundo alguns clipes tão deslumbrantes quanto aqueles que Michel Gondry fez para Björk.

A "dobradinha" video-clíptica entre Fiona e P.T. Anderson, que chegaram a namorar por um tempo, têm quatro contribuições de encher os olhos. Mais ou menos na época em que apresentava a um público mais vasto outra cantora-e-compositora de muita expressão (Aimee Mann, catapultada para um sucesso mais amplo por sua trilha de Magnolia), Paul Thomas Anderson assumiu a direção de vários clipes do 2º álbum de Fiona Apple: a violenta e rancorosa "Limp", que contêm alguns dos versos mais inesquecíveis que ela já cometeu ("You fondle my trigger then you blame my gun..."); a galopante e audaz "Fast As You Can" e o belíssimo lamento de desconsolo e carência "Paper Bag" ("Honey I don't feel so good, don't feel justified... Come on put a little love here in my void...").

Além disso, dirigiu em classudo preto-e-branco a versão de Apple para "Across The Universe", dos Beatles, num clipe em que ela mantêm-se em estado de serenidade quase búdica, imperturbável em sua "meditação" com fones-de-ouvido, enquanto um pandemônio de destruição ruge ao seu redor.

São clipes que valem muito a pena serem assistidos e que revelam dois artistas autênticos que, na época de mais intensa colaboração e apaixonamento, além do vínculo afetivo e da cama compartilhada, uniram simbioticamente suas visões nestas pequenas pérolas do video-clipe. Um viva pra eles!

"A People's History of American Empire", by Howard Zinn

2011-10-20T22:02:00.003-02:00

“To be hopeful in bad times is not just foolishly romantic. It is based on the fact that human history is a history not only of cruelty, but also of compassion, sacrifice, courage, kindness.

What we choose to emphasize in this complex history will determine our lives. If we see only the worst, it destroys our capacity to do something. If we remember those times and places—and there are so many—where people have behaved magnificently, this gives us the energy to act, and at least the possibility of sending this spinning top of a world in a different direction.

And if we do act, in however small a way, we don’t have to wait for some grand utopian future. The future is an infinite succession of presents, and to live now as we think human beings should live, in defiance of all that is bad around us, is itself a marvelous victory.”

— Howard Zinn

<<< Woolloongabba-gabba-hey! >>>

2011-10-17T19:20:00.009-02:00

"O uísque é o melhor amigo do homem.
É o cachorro engarrafado."
VINÍCIUS DE MORAES

"Whisky para os ouvidos", nome do primeiro EP dos Woolloongabbas, é uma expressão perfeita para definir o rock'n'roll altamente etílico e festeiro deste quinteto goiano. Com um som e um estilo-de-vida inspirados pela boêmia e pelo hedonismo mais deslavados, os Woolloongabbas vêm tocando seu blues-rock com pitadas de punk e de country há cerca de 6 anos e já se apresentaram em todos os grandes festivais de Goiânia: Bananada, Vaca Amarela, Goiânia Noise, Grito Rock e Release Alternativo. Também já tiveram a honra de abrir para a banda gringa Nashville Pussy, em 2007, em show no Martim Cererê.

O álbum de estréia da trupe, Alter Ébrio (2009), gravado no Rock Lab com produção do "mestre" Gustavo Vázquez, reúne 13 canções que lembram o som de Ultraje a Rigor, Matanza, Lynyrd Skynyrd, AC/DC (que eles, aliás, já coverizaram numa edição do Covernation). Os Woolloongabbas até se declaram membros de uma "Cena do Rock Bêbado" que incluiria Velhas Virgens, Faichecleres, Made in Brazil, Zumbis do Espaço, dentre outras bandas desavergonhadamente festeiras.

"Alabama que nada,
meu sotaque é goiano!"

Muitos dos músicos da banda estão ou já estiveram envolvidos com outros projetos: o baixista Juan, que cita como uma de suas principais influências o Les Claypool do Primus, também toca na banda Engravatados. O guitarrista-solo Lucas Mateucci, inspirado por Angus Young, Stevie Ray Vaughan, Allman Brothers e Black Crowes, toca também no Johnny Suxxx & The Fucking Boys. E o batera Hélio, admirador de muitos músicos de Goiânia (como Douglas, do Black Drawing Chalks, e Rodrigo, dos Hellbenders), já segurou as baquetas dos Bang Bang Babies. Os três, somados aos vocalistas Éder Alexandre e Jordão Vilela, formam os Woolloongabbas.

Depois de assistir a um ensaio de alta pressão dos caras num estúdio goianiense, o Depredando o Orelhão foi ao boteco da esquina (onde mais?!?) conversar com os caras e descobrir mais sobre o Universo Woolloongabba. De saída, descubro que a banda não foi batizada em homenagem ao grito-de-guerra dos Ramones, o "Gabba-gabba-hey!", nem é mero nonsense de saborosa sonoridade. Quem explica a verdadeira origem do nome é o batera Hélio: "Quando morei na Austrália, trabalhei num bairro chamado Woolloongabba. Achei que isto dava um nome de banda muito massa e que seria, além disso, uma forma da banda homenagear nossos grandes mestres inspiradores australianos. Aí ficou. A galera até começou a gritar nos nossos shows 'Woolloongabba-gabba-hey!' e tal." Só de gozação, Éder adiciona: "O nome Woolloongabba parece o nome de um Ursinho Carinhoso..." Gargalhadas gerais.

A maioria das letras é composta por Éder e versa sobre bebedeira, estrada, amizade, azaração e temas boêmios em geral: "É muito característica esta temática do ir-pro-bar, encontrar os camaradas, falar mal do chefe... Quando montei a banda, até tentei compor com temas sérios, falar sobre o assassinato de Sandrinha ou a Lei de Murphy, mas num tava rolando. Até que um dia ouvi um CD do Velhas Virgens e o cara só fala de cachaça e mulherada. Aí falei 'pô, eu posso falar disso também!'"

Éder, originalmente de Catalão (GO), já não mora mais em Goiânia, mas pega estrada com frequência, vindo de Araraquara (SP) até a "capital do cerrado" para encontrar os amigos de banda e manter o pavio aceso e queimando. "De dois anos pra cá", explica Éder, "mudei de Goiânia, primeiro pra Brasília, depois pro interior de São Paulo. Eu saí de Goiânia, mas Goiânia não saiu de mim. Aí comecei a falar nas letras de viagem, de estrada, do quanto é bom voltar pra casa, e esta vai ser a temática do nosso próximo CD, o Woolloongabbas Na Estrada, numa onda cada vez mais próxima da nossa maior influência, o Lynyrd Skynyrd. Só que a gente não vai falar do Alabama, vamos falar de Goiânia, né?" E ele garante: "Distância num vai acabar com a banda não! A gente se ama!"

Os caras já fizeram duas tours pelo Sul do país: na primeira foram de van até Maringá, Umuarama ("mais conhecida como Mulherama", frisa Jordão) e Londrina, onde lembram-se de shows excelentes na companhia de Nevilton e Família Palin do Norte da Turquia. Na segunda ocasião, rolou quase uma epopéia num Celta 1.0, sem som e lotado de instrumentos, que eles relembram entre muitas risadas: "Nosso show lá no Paraná era na sexta à noite", rememora Éder, "eu, o Jordão e o Lucas saímos de Goiânia na quinta à noite, umas 22h (o Hélio e o Juan já tinham ido de ônibus no dia anterior). Deu 10 minutos de viagem, o Lucas já tava roncando. O Jordão ficou conversando comigo até umas 2h da matina, mas depois também capotou. E aí foi Red Bull comendo solto. Fizemos 800km em 8 horas e tomamos no total umas 17 latas de Red Bull. Chegamos lá às 9h da manhã e já começamos a enxugar as 3 garrafas de uísque que a gente tinha levado. Pra distrair no caminho, fomos cantando, mas a gente só sabia 3 músicas: 'Caminhoneiro' do Roberto Carlos, 'Trem de Araguari' do Leonardo e 'Sweet Home Alabama' do Lynyrd Skynyrd.' Foi uma experiência sensacional!" "Nossos shows são marcados por insanidade, loucura e amnésia no outro dia", descreve Jordão Vilela, com muito conhecimento de causa. "E muita amizade também."

Dentre os shows mais memoráveis que já fizeram em Goiânia, eles se lembram de um no festival Release Alternativo em 2008. "Ia começar o show e o Martim Cererê ainda tava vazio", relembra Jordão. "Aí o Pablo Kossa falou pra mim 'Vai lá fora e fala que quem quiser pode entrar de graça!' Tinha um monte de mendigos e de putas na pracinha ao lado, fui lá e chamei todo mundo pra entrar. Liberou geral. Aí ficou lotado e foi sensacional! Tinha até um mendigo lá que era a cara do Seu Jorge, até deu uma palhinha..."

Nesta ocasião, rolou até a participação especial de uma stripper, como relembra Éder: "O João Lucas [vulgo Johnny Suxxx, da Fósforo Cultural, organizadora do festival] me deu um toque: falou para eu tocar um blues e convidar quem estivesse afim a subir no palco e fazer um strip-tease. Aí deu 30 segundos de música e 'brotou' no palco, saída do camarim, uma mina toda camuflada com uniforme de exército e... tirou a roupa, cara!" Daí em diante, a presença especial de uma stripper "animando" o palco passou a ser uma possibilidade sempre esperada pela platéia woolloongabbamaníanca. "Depois desse show tivemos também a idéia de confeccionar calcinhas e vender para as nossas fãs. Em várias ocasiões, antes dos shows, elas chegam e nos dizem que estão vestindo a calcinha dos Woolloongabbas. Mas esse lance de groupie não existe no vocabulário dos Woolloongabbas: elas são 'amigas coloridas'."

Apesar de Goiânia Rock City já ser amplamente reconhecida como um dos mais efervescentes centros latino-americanos onde ferve o rock independente, Goiânia prossegue sendo lembrada pelo grande público por ser uma das capitais da Música Sertaneja. Os Woolloongabbas não têm pudor de abraçarem estas duas "tendências" sem o mínimo preconceito: "Todo mundo na banda gosta de música caipira e sertaneja, a gente não esconde isso não, até faz questão de deixar muito claro!" afirma Jordão.

"Quando eu era pequeno, eu era fã do Chitãozinho e Xororó", relembra Éder, "tinha até um cabelo igual ao deles, pôster dos caras no quarto e um montão de fitinhas K7. Quando faço aniversário e convido a galera do rock pra festa, meu pai começa a tocar sanfona e viola e tem gente que canta todas as músicas caipiras enquanto está lá em casa... Não tem como a gente fugir disso: eu acho que todo goiano tem um pai, um irmão ou um tio que gosta de música caipira, e quase todo goiano quando era pequeno escutou esse tipo de som, não tem como não te influenciar... especialmente naquele momento quando você toma aquele chifre, tá meio desiludido da vida, cê vai lembrar do Leandro e Leonardo mesmo, não adianta! A música caipira é o blues do Brasil: é música simples feita lá na roça."

Uma banda de rock and roll tipicamente goiana, os Wooloongabbas bradam com orgulho que têm AC/DC e Skynyrd nas veias, mas que nem por isso deixam de lado influências como Milionário e José Rico e Johnny Cash. No último Vaca Amarela, festival que contemplou 10 anos de vida em 2011, Depredando pôde conferir pela primeira vez os caras em cima do palco e comprovou que há poucas bandas brasileiras mais competentes na arte de transformar um show numa festa altamente hedonista e descontrolada. Os caras inebriaram o entusiasmado público que lotou o Martim Cererê com biritas gratuitas de monte, fornecidas pela Cachaçaria Woolloongabbas, e o palco transformado num boteco (com Grazi Reis, Pablo Kossa e João Lucas bebendo umas numa bowa...) As imagens - que o Depredando registrou amadorísticamente mas com muita empolgação - falam por si só. Woolloongabbas é isso: festança rock and roll de alta voltagem que conduz à embriaguez geral.

WOOLLOONGABBAS - Alter Ébrio (2009)
(13 músicas, 192 kps, 72 mb)
download autorizado pela banda
dissemine: http://www.mediafire.com/?fhuv6kd4b2rfm4x

<<< Paulo Freire (1921-1997), o Andarilho da Utopia (épico radiofônico) >>>

2011-10-16T22:49:00.004-02:00

:: PAULO FREIRE, Andarilho da Utopia
http://www.rnw.nl/portugues/radioprogramme/paulo-freire-o-andarilho-da-utopia

"A Unesco constata a existência de 700 milhões de adultos que não sabem ler nem escrever. Para o Fundo das Nações Unidas para a Educação, esta é uma situação que tem implicações potencialmente explosivas para a paz e prosperidade mundiais.

A utopia de Paulo Freire é uma das esperanças do mundo para reverter esta situação. A crença de Paulo Freire na força do diálogo como ferramenta essencial de transformação de homens e mulheres por meio da educação, traduz o desejo da Radio Nederland de se aproximar ainda mais de suas parceiras no Brasil, através de projetos especiais, que visam sobretudo o desenvolvimento humano.

O especial 'Paulo Freire, Andarilho da Utopia', é dividido em cinco blocos e traz depoimentos de colaboradores, familiares e do próprio Paulo Freire. Da segunda metade da década de 40 à morte de Paulo Freire em 1997, a série retrata não apenas a vida do educador brasileiro, mas também mostra o Brasil dos últimos 50 anos. As inúmeras inserções de sons de época situam o ouvinte em vários momentos da recente história do Brasil.

Rádio cinematográfica

André Barbosa, diretor geral deste especial, quis realizar o que chama de 'Rádio Cinematográfica', introduzindo no documentário mecanismos utilizados nos filmes de ficção. Enriquecem a produção a trilha sonora de Homero Lotito e a participação da dupla de sertanejos nordestinos, Sebastião e José Francisco, que trabalhou com o educador brasileiro no momento em que este era Secretário de Educação da cidade de São Paulo.

O especial 'Paulo Freire, Andarilho da Utopia' tem a locução de André Barbosa e Telma Feher e foi desenvolvido em parceria com a Criar - Assessoria de Comunicação de São Paulo, com o apoio da Universidade de São Paulo e do Instituto Paulo Freire, entre outras instituições.

Este foi o primeiro projeto em regime de co-produção que a Radio Nederland realizou com uma instituição brasileira e foi lançado em 1999."

"Eu recuso qualquer posição fatalista diante da história e dos fatos. Não aceito, por exemplo, expressões como 'é uma pena que haja tantos brasileiros morrendo de fome, mas, afinal, a realidade é essa mesma...' Não! Eu recuso como falsa e como ideológica essa afirmação! Nenhuma realidade é 'assim mesma'. Toda realidade está aí submetida à possibilidade de nossa intervenção nela. (...) Uma das preocupações minhas, uma das razões de minha luta e minha presença no mundo, é a de contribuir como educador... para que se vá além da passividade através de posturas rebeldes e criticamente transformadoras do mundo."

PAULO FREIRE, Andarilho da Utopia
(Rádio Nederlands + Instituto Paulo Freire)

- 74 min. CD-RIP. Mp3 de 320kps -

[download gratuito]

<<< Depredando, a Mixtape - volume IX - Messin' With The Blues >>>

2011-10-11T14:57:00.007-03:00

O blues é mais que um gênero musical: é um estado de espírito. Não é preciso ter vivido às margens do Mississipi ou ter penado nas plantações da colônia inglesa na América para compreender o queixume dos blueseiros. A melancolia não tem dono. Somos todos, vez ou outra, suas vítimas. A idéia desta nova mixtape Messin' With The Blues é dar um passeio por artistas que não costumam ser rotulados e classificados dentro do blues, mas que compuseram flertes e tributos a ele, ou que "brincaram" com ele, ou que o re-interpretaram em outra chave, outro ritmo, outra época...

Começamos a jornada com um dos maiores trompetistas da história do jazz, o incomparável Miles Davis, que no clássico Get Up With It (1974), já esmiuçado por Eduardo Gianetti, compôs um belo "Blues da China Comunista", com harmônica chorando e tudo. Na sequência, John Lennon mostra que mesmo antes de sua carreira-solo, tão repleta de canções angustiadas e angustiantes, já tingia certas canções do Beatles com um blues quase suicida: "Yes, I'm lonely, wanna die / If I ain't dead already, you know the reason why...", canta John em "Yer Blues", do White Album.

Já Tom Waits encarna o loser de boteco que solta uivos na madrugada em "Fumblin' With the Blues": "It's hard to win when you always lose". E a diva do R&B Esther Phillips entoa na sequência o dolorido "Black-Eye Blues", uma canção que parece um curta de Spike Lee e retrata o lamento de uma mulher vítima de violência doméstica: "Preciso de uma vacinação", canta Esther, "contra o blues do olho-roxo".

Depois, é hora de uma melancolia mais noventista e grungy tomar espaço, primeiro com o Afghan Whigs ("You can fuck my body, babe, but please don't fuck my mind", canta Greg Dulli, sexy como sempre, em "Neglected") e depois com Chris Cornell (que, numa canção de amor das mais belas de sua carreira, diz à sua amada: "Só te amo quando estou down / Mas mantenha em mente: / Estou down o tempo inteiro").

Artistas mais vinculados ao folk e ao country - como Lucinda Williams, Tim Hardin, Wilco e Bob Dylan - também não deixam de flertar com o blues em vários momentos de suas respectivas carreiras, o que justifica sua presença aqui com canções que versam sobre "acordar sentindo-se velho" e trens que causam prantos. Como não poderia deixar de ser, a "fitinha" também dá espaço para artistas profundamente influenciados pelo blues, como Creedence Clearwater Revival, The Kinks e Jimi Hendrix, e aqueles que lá nos primórdios marcaram a história do gênero, como a fabulosa Bessie Smith, primeira imperatriz do Blues.

O falecido Elliott Smith, um dos maiores talentos da música americana no pós-Jeff Buckley, também demonstra quão sublime pode tornar-se um lamento musicado na linda "Junk Bond Trader". E, convenhamos, só quem manja muito de tristeza pode suicidar-se com uma facada no coração, como fez Elliott anos atrás, mutilando seus fiéis cultuadores (há boatos, porém, de que a misteriosa morte possa ter sido homicídio, como sugere a matéria no Guardian...)

E para não dizerem que blues só tem a ver com soturna gravidade, aí estão os sempre irreverentes Mutantes para provar o contrário: "Meu Refrigerador Não Funciona", do clássico A Divina Comédia (1970), é uma espécie de blues-paródia, em que a intensidade da performance constrasta com a "mundanidade" do tema: eis um queixume altamente dramático sobre uma grande desgraça que aflige a condição humana, isto é, cerveja esquentando quando a geladeira pifa. Rita Lee nunca foi tão Janis Joplin. E o blues nunca foi tão feliz.

16 tracks in playlist, average track length: 3:58

Playlist length: 1 hour, 3 minutes, 40 seconds

[download gratuito]

01 - Miles Davis - Red China Blues (4:09)

02 - The Beatles - Yer Blues (3:57)

03 - Tom Waits - Fumblin' With the Blues (3:02)

04 - Esther Phillips - Black Eyed Blues (6:10)

05 - Afghan Whigs - Neglected (4:01)

06 - Chris Cornell - When I'm Down (4:20)

07 - Tim Hardin - How Long (2:54)

08 - Wilco - When You Wake up Feeling Old (3:55)

09 - Lucinda Williams - Can't Let Go (3:28)

10 - Bob Dylan - It Takes A Lot To Laugh, It Takes a Train to Cry (4:09)

11 - The Kinks - Little Miss Queen Of Darkness (3:16)

12 - Elliott Smith - Junk Bond Trader (3:49)

13 - Creedence Clearwater Revival - Before You Accuse Me (3:26)

14 - Jimi Hendrix - Red House (3:43)

15 - Os Mutantes - Meu Refrigerador Não Funciona (6:22)

16 - Bessie Smith - After You've Gone (2:59)

[+] mixtape número 8 (clash, stones, hendrix, ccr, karen o, black mountain...)

[+] mixtape "sôdade matadera - canções sobre a saudade"